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La película Weapons, dirigida por Zach Cregger, es uno de los fenómenos cinematográficos de 2025; su estreno ha marcado un hito en el cine de terror moderno por su audacia narrativa y su habilidad para perturbar incluso a los más curtidos espectadores. Si algo ha caracterizado al director desde su aplaudido debut en Barbarian, es esa capacidad para transformar lo cotidiano en fuente de inquietud, y en Weapons lleva esta idea hasta el extremo, tejiendo una historia sensorialmente abrumadora e intelectualmente desafiante.

Todo comienza en un pueblo pequeño y aparentemente apacible que despierta una mañana ante una noticia imposible de asimilar: 17 niños, todos integrantes de una sola clase escolar, han desaparecido la misma noche, en el mismo momento. Solo uno permanece, y el misterio desencadena una reacción en cadena de sospecha, terror, desconfianza y rencor. La maestra de los niños, Justine Gandy (una Julia Garner inmensa), se ve rápidamente en el punto de mira, presa de la histeria colectiva y el juicio de una comunidad ávida de respuestas y culpables.

Uno de los grandes aciertos de Weapons es sin duda su reparto, que contribuye decisivamente a la tensión y profundidad emocional de la historia. Josh Brolin encarna a Archer Graff, el padre de uno de los niños desaparecidos, dibujando a un hombre herido por el dolor y la determinación. Frente a él, Julia Garner, como Justine Gandy, se constituye en el verdadero eje moral y emocional del relato, llenando la pantalla de matices entre la culpa, la confusión y la obstinación en busca de respuestas. Alden Ehrenreich, en el papel de Paul —el agente de policía con un pasado turbio y una relación compleja con Justine— añade más capas de conflicto a la atmósfera enrarecida del pueblo. Cary Christopher destaca como Alex, el único niño que no desapareció, y su interpretación introduce nuevas preguntas y una inquietud latente en el espectador. La solidez del reparto se completa con Austin Abrams, cuya vulnerabilidad juvenil es conmovedora; Benedict Wong, en el papel del director de la escuela, que trata de mantener la cohesión mientras todo a su alrededor se desmorona; y talentos como Amy Madigan (Gladys Lilly), June Diane Raphael (Donna), Toby Huss (capitán Ed), Whitmer Thomas y Luke Speakman, que enriquecen la representación de una comunidad al borde del colapso. Esta fuerza coral sostiene el retrato de un pueblo fracturado por el miedo colectivo y la incertidumbre, logrando que cada personaje aporte verosimilitud y humanidad a la tragedia.

Weapons destaca porque, en vez de enfocarse exclusivamente en la investigación policial típica, prefiere sumergirnos en una estructura coral, donde cada capítulo lleva el foco sobre un nuevo personaje. Cregger, inspirado por las grandes narrativas entrelazadas de Paul Thomas Anderson o Robert Altman, retrata con precisión quirúrgica los entresijos de una comunidad al borde del colapso. Así, seguimos el devastador recorrido de padres, policías y vecinos, todos empujados al límite por un suceso que nadie comprende del todo.

Pieza a pieza, Weapons nos va empaquetando con la tensión de lo inexplicable. Las cámaras de seguridad muestran imágenes grotescamente inquietantes: los niños abandonaron sus casas casi al unísono, saliendo en línea recta, con los brazos extendidos y sin mirar atrás, guiados por una fuerza que nunca termina de explicarse del todo. El pueblo se sumerge en el desconcierto y la paranoia, y todos los interrogantes parecen dar vueltas en círculo, sin una resolución satisfactoria. El guion va dejando caer detalles progresivamente, mezclando pistas sobrenaturales con ecos de corrupción policial, rituales clandestinos y tabúes religiosos, todo envuelto en un aura de inestabilidad y amenaza creciente.

La dirección de Cregger es impecable al mantenernos en vilo, jugando con lo no dicho y lo invisible. Como espectadores, compartimos la ansiedad y la impotencia de los personajes; cada escena se construye con paciencia, con pequeños sobresaltos y un ritmo que serpentea, alternando lo macabro con breves alivios cómicos y falsos finales que solo sirven para aumentar la angustia. Weapons rehúye el salto fácil y prefiere martillar la psiquis: el miedo aquí viene de la idea de estar perdiendo el control, de lo que no podemos comprender.

El apartado visual y sonoro contribuye al efecto: la fotografía de Larkin Seiple realza los contrastes entre la luz doméstica y las sombras, y la partitura de los hermanos Holladay y del propio Cregger añade capas de inquietud. El diseño de producción retrata una comunidad reconocible, casi suburbana, cuyo deterioro mental es tan palpable como físico a lo largo del metraje.

Lo verdaderamente perturbador de Weapons, y quizá su mayor acierto, es la negativa a dar respuestas categóricas: el horror no es tanto qué se llevaron los niños, sino el abismo de incertidumbre que dejan tras de sí. La experiencia del espectador termina tan marcada por la atmósfera y por la empatía con los personajes como por el misterio central, que se resiste a una explicación unívoca o confortable. Cregger fuerza al público a convivir con la duda y el malestar, a replantearse la fragilidad de las comunidades ante lo inexplicable.

Weapons es, en definitiva, una de esas películas que trascienden el género, que no solo asustan, sino que inquietan y persiguen mucho después de haberse encendido las luces de la sala. Es una obra que invita al debate —sobre la confianza, el miedo colectivo y los límites de lo racional— y que confirma a Zach Cregger como una de las voces más originales y perturbadoras del cine contemporáneo. Para quien busque un terror inteligente, ambicioso y emocional, Weapons no solo cumple: deja huella.

Paco Encinar

Tras casi cuatro décadas desde el emblemático estreno de Agárralo como puedas en 1988, la franquicia clásica del humor policíaco absurdo regresa a la gran pantalla con un ambicioso reinicio titulado igual, que en Estados Unidos se presenta como The Naked Gun (2025). La nueva entrega surge como una mezcla curiosa entre homenaje, secuela y reboot, dirigida por Akiva Schaffer, conocido por su trabajo en comedias contemporáneas, y con la producción de figuras como Seth MacFarlane, responsable de dar frescura a esta reinterpretación.

El gran cambio que marca esta nueva película es el protagonismo de Liam Neeson, que interpreta a Frank Drebin Jr., el hijo del icónico Frank Drebin, personaje que en la trilogía original fue encarnado por Leslie Nielsen. Este relevo generacional no solo actualiza la saga para el público contemporáneo sino que también plantea la dificultad de mantener el inconfundible humor absurdo y visual que tantas generaciones disfrutaron. Neeson, conocido por sus papeles dramáticos y de acción, muestra aquí un giro hilarante, parodiando incluso parte de su propia carrera y encarnando a un personaje que hereda tanto la torpeza como el entusiasmo policial de su padre.

La trama se enfoca en Frank Drebin Jr. formando equipo en la brigada policial junto al hijo del legendario capitán Ed Hocken, continuando con la fórmula que combina comedia, acción y situaciones disparatadas. Desde escenas donde el absurdo alcanza su máxima expresión, como fingir cantar en un estadio o infiltrarse de formas delirantes, hasta momentos de gags visuales que recuerdan a los mejores años del cine de los Zucker, Abrahams y Zucker (ZAZ), el filme quiere conservar el espíritu de la saga clásica pero adaptado a los tiempos y lenguaje actual. Destaca, además, la inclusión de Pamela Anderson en un papel con considerable presencia en la película, sumando un elemento de nostalgia y carisma.

Este reboot, además, hace guiños constantes al legado original. Un ejemplo ilustrativo es la escena donde Frank Drebin Jr. se dirige a un cuadro con la imagen de su padre, clamando “Hola, papi. Por favor, ayúdame”, un emotivo y divertido tributo a Leslie Nielsen, fallecido en 2010. La película busca equilibrar el respeto a la franquicia con la necesidad de ofrecer un humor fresco y cercano a la sensibilidad contemporánea.

El estreno en España fue programado para el 22 de agosto de 2025, tras su debut en Estados Unidos el 1 de agosto. La expectativa está puesta en cómo el público recibirá esta cuarta parte, que llega después de largas décadas y dos secuelas clásicas: The Naked Gun 2½ (1991) y The Naked Gun 33⅓ (1994). En este contexto, el desafío es recuperar la chispa original sin quedarse anclados en la nostalgia, pero sin perder la esencia slapstick y surrealista que definió aquellas comedias que marcaron a toda una generación.

En cuanto al estilo y tono, Agárralo como puedas (2025) mantiene la parodia y el humor absurdo como corazón narrativo. La película no escatima en acciones delirantes ni en diálogos llenos de ironía frenética, apostando por un humor de situaciones ridículas, referencias culturales actualizadas y personajes caricaturescos que generan un cóctel explosivo de carcajadas. Esto queda patente en los trailers, que muestran una amalgama de tropelías cómicas, desde desastres físicos hasta infiltraciones disparatadas, pasando por inesperados momentos de lucidez cómica.

El reparto complementa a Liam Neeson con nombres como Paul Walter Hauser, Pamela Anderson, Kevin Durand, Danny Huston o Liza Koshy, actores con experiencia en comedia o acción que aportan dinamismo a la película. La producción tiene detrás a grandes casas como Paramount Pictures y Fuzzy Door Productions, y la música está compuesta por Joel McNeely, quien aporta un acompañamiento que remite al tono clásico pero con toques modernos.

Finalmente, la reacción inicial a los trailers y primeras críticas tiende a ser mixta con un interés cauteloso. Algunos ven en este relanzamiento una oportunidad valiosa para revitalizar la comedia spoof, un género poco común hoy en día pero con un potencial creativo enorme. Otros temen que el peso de la nostalgia y las innegables diferencias en estilo entre Neeson y Nielsen puedan afectar la autenticidad del proyecto. No obstante, la confianza en el equipo creativo y el respeto a la saga son vistos como puntos fuertes para asegurar que Agárralo como puedas 2025 tenga su espacio en la comedia contemporánea.

Paco Encinar

El regreso de James Cameron a Pandora con «Avatar 3: Fuego y Cenizas» ocupa ya un lugar preeminente en el horizonte del gran cine internacional. Los meses que preceden al esperado estreno han estado marcados por la irrupción de trailers oficiales y avances en cines que han desatado una oleada de entusiasmo y teorías entre fans y crítica. Todo, absolutamente todo lo visto hasta ahora en estas piezas promocionales confirma que el universo de Avatar está a punto de afrontar su metamorfosis más radical: Pandora se sumerge en el fuego, y el espectador será testigo de un conflicto nunca antes visto en la saga.

Un escenario renovado: la promesa del fuego

Si en El sentido del agua el espectador navegó océanos de leyenda, en Fire and Ash la travesía será a través de tierras volcánicas donde reina la destrucción, la renovación y el caos. Los primeros minutos y trailers revelados en cines y canales oficiales muestran una Pandora que arde: paisajes arrasados por ríos de lava, montañas que exhalan cenizas y, sobre todo, la omnipresencia de ese fuego que transforma en cada plano el concepto visual de la franquicia. La fotografía rompe con los tonos azulados y verdes tradicionales para bañarse en ocres, naranjas y rojos abrasadores. Hay imágenes en los avances donde es imposible no sentir el calor y el peligro acechando en cada rincón, como si la tecnología y la narrativa conjuraran un nuevo tipo de belleza: más áspera, más peligrosa, más real.

James Cameron lleva meses anunciando en entrevistas que el fuego es aquí mucho más que un fondo o un simple elemento natural: es símbolo y amenaza, motor emocional y catalizador de la historia. Pandora será más hostil que nunca, y eso se traslada no solo al paisaje, sino a la psique de sus habitantes, a la dinámica entre clanes y a la propia familia protagonista. La escala técnica, por supuesto, vuelve a romper barreras: los efectos visuales que se anticipan en el trailer ya han sido catalogados por muchos expertos y youtubers como los más avanzados jamás creados para una película. Nueva tecnología de captura de movimiento, integración milimétrica de entornos volcánicos digitales y un uso artesanal de los efectos prácticos: todo suma para dar a esta tercera entrega una identidad única, lejos del déjà-vu.

Los Ash People: una revolución moral y estética

Sin embargo, lo que de verdad promete cambiar la saga es la llegada de los Ash People, el clan Na’vi del fuego liderado por Varang, cuya presencia protagoniza buena parte de los trailers y el material promocional. Estos Na’vi lucen una estética diferenciada, con pieles ahumadas, marcas tribales de ceniza y armas improvisadas de tecnología ruda y espectacular. Hay coreografías de batalla viscerales y rituales de iniciación que, a juzgar por las imágenes, aportarán a Pandora un aire de crudeza y realismo desconocido hasta ahora.

Si Avatar y El sentido del agua retrataban un pueblo Na’vi en armonía con su entorno y entre sí, las nuevas imágenes adelantan fisuras y tensiones éticas. En los trailers se intuye una rivalidad soterrada entre clanes por la supervivencia, el territorio y la cultura. Los Ash People, curtidos por el dolor y la adversidad volcánica, ponen en duda los valores del resto de Pandora, desafiando la idea maniquea de bondad universal de los Na’vi. Y es aquí donde Cameron se juega la madurez temática: si la saga nos acostumbró a ver enfrentamientos claros entre humanos invasores y Na’vi defensores, ahora la amenaza es interna, desgarradora y, por primera vez, moralmente ambigua.

La familia Sully: fragmentos de un drama intimista

Los avances permiten entrever cómo la familia Sully lidia con la pérdida y la culpa. Tras la muerte de Neteyam en la entrega previa, Jake y Neytiri aparecen en los trailers marcados por el dolor y la desazón, tensando aún más el núcleo emocional del relato. La gran novedad es el cambio de perspectiva: Lo’ak será quien herede la narración —algo sugerido en varias escenas promocionales donde su rostro refleja tanto la rabia como el miedo—. Esta elección anticipa una película más introspectiva, quizá más desgarradora, donde el viaje ya no sólo es épico, sino también interior.

Las imágenes insinúan a una Neytiri mucho más guerrera y vulnerable, a un Jake atrapado entre la protección de los suyos y la responsabilidad de director de orquesta en medio de la fractura pandoriana. Hay momentos en los avances donde la familia, rodeada de enemigos (muchos de ellos antiguos aliados), debe buscar nuevas formas de resistencia y supervivencia. El conflicto ya no es solo entre especies; ahora los clanes, los hermanos, los padres y los hijos parecen estar al filo de la ruptura.

Quaritch y la ambigüedad del antagonista

Entre las muchas sorpresas tejidas en los trailers está la posible alianza entre Quaritch —el villano por antonomasia— y el propio clan del fuego. Stephen Lang, en las entrevistas promocionales, viene a subrayar que su personaje se mueve ahora en un terreno “gris”, alejado del clásico villano. El Quaritch de Fire and Ash se adivina más calculador, pragmático y abierto a pactos insospechados. Los momentos en los que aparece, ora combatiendo con Na’vi, ora dialogando con líderes tribales, sugieren que esta vez la batalla por Pandora será tanto política como armada. La moral, la lealtad y el futuro del planeta estarán en juego en cada elección de este personaje, que promete dividir opiniones y abrir debates entre el público.

Un espectáculo sensorial: técnica y épica a la máxima potencia

Los reportajes y reseñas de prensa que han tenido acceso a los primeros minutos proyectados en cines resaltan el salto tecnológico y artístico de la producción. James Cameron ha reiterado que, aunque la innovación digital es absoluta, no han utilizado herramientas de IA generativa: todo se ha hecho siguiendo un proceso casi artesanal, con supervisión directa en cada animación, en cada movimiento de cámara, en cada efecto de luz y textura. El propósito es simple: lograr una inmersión total, que el espectador viva Pandora como si cruzase una frontera real entre nuestro mundo y el suyo.

El sonido, la banda sonora y el trabajo de Foley (recreación de sonidos naturales y efectos) prometen una experiencia envolvente. La música, compuesta a partir de instrumentos tribales y mezclas electrónicas, se filtra en los avances creando una atmósfera de peligro y épica renovada. Todo en el material promocional insiste: Pandora está viva y arde, y nosotros, como público, estamos invitados al epicentro de esa erupción dramática y técnica.

Lo que nos espera: más allá del espectáculo

A pocos meses del estreno, la sensación en el aire es la de antesala de acontecimiento histórico. Los trailers han incrementado el hype porque invitan a soñar con un universo que se reinventa en cada fotograma. Los fans diseccionan cada segundo de material promocional en busca de pistas sobre los destinos de personajes, el futuro de la tribu y el desenlace de alianzas imposibles. Todo apunta a que Avatar 3 será mucho más que una película: será una sacudida emocional y visual que redefinirá la franquicia y abrirá nuevas puertas al cine épico contemporáneo.

Queda claro que Cameron no está dispuesto a dormirse en los laureles del éxito pasado. El fuego es ahora el nuevo corazón de Pandora, y, a tenor de lo mostrado en trailers y avances, estamos ante el capítulo más audaz, adulto y emocional de la saga. Nos espera un viaje abrasador por territorios inexplorados, una historia donde cada secuencia quema expectativas para renacer en forma de nuevos interrogantes y desafíos.

De aquí a diciembre, la conversación solo crecerá: el primer trailer oficial y los avances exclusivos han encendido la mecha, pero el incendio prometido apenas comienza. Pandora nos espera entre cenizas y llamaradas, y lo único seguro es que el mundo del cine estará mirando, listo para dejarse arrasar y reconstruir por la nueva gran epopeya de James Cameron.

Paco Encinar

A veces, la historia de la música y la cultura parece escribirse en letras doradas y, a su paso, deja huellas que resisten el paso del tiempo. Aquella tarde de verano de 1990, cuando las luces del Estadio Vicente Calderón se encendieron para recibir a Madonna, pocos imaginaban que estaban a punto de asistir a uno de los acontecimientos musicales más impactantes que jamás haya vivido España. Hoy, con el 35 aniversario del Blond Ambition Tour, el recuerdo bulle más intenso que nunca, más aún al rememorar la magia secreta que rodeó aquella visita, entre ritmos pop y la efervescencia creativa propia de la movida madrileña.

Corría un Madrid sofocante a finales de julio, pero ninguna ola de calor era capaz de aplacar el fervor de miles de fans. Las entradas estaban agotadas desde hacía semanas; la expectativa flotaba en el aire, mezclada con la electricidad de quien siente que está viviendo algo único. Madonna asaltó el escenario como un torbellino, enfundada en sus icónicos corsés de Jean Paul Gaultier, moviendo no solo corazones sino conciencias. Delante de ella, una España que comenzaba a despertar a la modernidad, decía adiós a ciertos pudores mientras “Express Yourself” retumbaba en el graderío con la fuerza de un himno emancipador.

Solo dos noches después, la gira tomaba rumbo a Vigo, donde el Estadio de Balaídos se rendía ante la reina del pop. Pese a que la asistencia fue más modesta, la fuerza del espectáculo, la increíble mezcla de precisión y libertad, de coreografías y gestos provocadores, dejó huella también al norte. Madonna, irreverente y magnética, transformó las dudas iniciales en admiración.

El 1 de agosto, Barcelona era la última parada española y la penúltima de toda la gira. El Estadi Olímpic Lluís Companys vibró con la retransmisión en directo de una actuación que ha permanecido en la memoria colectiva hasta hoy. Para miles de espectadores, aquel concierto fue mucho más que música: supuso un puente con el futuro, una promesa de que el pop podía ser arte, espectáculo y revolución social. Madonna no solo desafió límites escénicos y artísticos, sino también culturales, al enfrentarse a críticas de sectores conservadores y religiosos. Entre luces llamativas, cambios de vestuario y una escenografía inigualable, la Material Girl mostró que el atrevimiento podía ser una virtud.

Pero más allá del escándalo y el atrevimiento, había algo más difícil de describir: la sensación de que estábamos viviendo una transformación. Para muchos, fue el primer gran concierto internacional, la primera vez que la televisión rompía fronteras y nos regalaba un trozo de historia en directo. Aún hoy, quien estuvo allí recuerda la emoción de cantar a pleno pulmón “Like a Prayer” o de bailar “Vogue” con miles de desconocidos, todos hermanados por una misma euforia.

Sin embargo, aquel verano mágico tuvo una noche especial que pasó a la leyenda: la fiesta que Pedro Almodóvar organizó para Madonna la víspera de su primer concierto en Madrid, el 26 de julio. El hotel Palace fue un hervidero de arte, deseo y provocación, donde el cine posfranquista y el pop internacional se encontraron en una celebración del presente y del futuro. Madonna, lejos de mantener la distancia propia de una estrella, se entregó a un ambiente donde reinaban la libertad y el desparpajo, fundiéndose con el selecto grupo de artistas y bohemios que rodeaban a Almodóvar.

Entre las figuras que destacaron en aquella velada, emergió la joven promesa Antonio Banderas, entonces una estrella emergente gracias a su trabajo con Almodóvar. La fascinación de Madonna por Banderas fue palpable. Su interés no se ocultó ni en público ni delante de las cámaras, mostrando un lado pícara y natural que el documental «En la cama con Madonna» (Truth or Dare) capturó para la posteridad. La química entre la diva y el actor español se convirtió en parte del folklore pop que mezcla música, cine y una fascinación casi mágica con la España de aquellos años.

Almodóvar, siempre atento a las relaciones complejas y creativas entre sus colaboradores y amigos, no fue ajeno al magnetismo que se desató entre Madonna y Banderas. Ese trío de admiración, deseo y creación quedaría plasmado años más tarde en películas como “Dolor y Gloria”, donde el cineasta y el actor exploran la intensidad de su propia relación artística y personal.

Esa noche mágica y la aventura de Madonna en España no terminaron cuando se apagaron las luces del concierto. Quedó una huella profunda, un recuerdo vivo que aún hoy rememoran fans, artistas y promotores, un evento que no solo cambió el panorama musical, sino que abrió puertas a la modernidad cultural en nuestro país.

Treinta y cinco años después, aquel verano sigue siendo un punto de inflexión. Entre vídeos granosos, revistas amarillentas y testimonios que afloran en redes, el Blond Ambition Tour, la fiesta de Almodóvar y la atracción por Banderas recobran vida en una historia que continúa inspirando y emocionando. Porque algunos conciertos y noches no terminan cuando se apagan los focos, sino que permanecen vivos, palpitando en el recuerdo y en el alma de quienes los vivieron y los reviven con cada revulsivo suspiro de nostalgia.

Paco Encinar

Pocas franquicias cinematográficas han trascendido décadas y generaciones como lo ha hecho “Karate Kid”. Desde su estreno en 1984, el aprendizaje de Daniel LaRusso bajo la guía del Sr. Miyagi se ha grabado en la memoria colectiva de millones y ha inspirado incontables historias de superación personal. Ahora, en pleno 2025, el fenómeno renace gracias a “Karate Kid: Legends”, una película que promete emoción, nostalgia y nuevos caminos para quienes se acercan por primera vez a esta saga mítica.

Del dojo a Nueva York: una nueva generación

La nueva entrega, dirigida por Jonathan Entwistle y escrita por Rob Lieber, cambia el foco y presenta un rostro fresco: Li Fong, interpretado con carisma por Ben Wang. Lejos de las soleadas costas de California o los paisajes de Okinawa, la trama arranca en Pekín, donde Li, prodigio del kung fu, vive con su madre hasta que una tragedia familiar los obliga a emigrar a la bulliciosa Nueva York. Este cambio de escenario no es trivial: la ciudad simboliza el desconcierto, el duelo y la oportunidad. Li debe reconstruirse lejos de su hogar, aprender a encajar y enfrentarse, como tantos protagonistas antes que él, al acoso escolar y a la soledad que invade al extranjero en tierra desconocida.

Pero “Karate Kid: Legends” nunca olvida sus raíces. Cuando la vida de Li da un nuevo giro tras intentar proteger a un amigo, se inscribe en un torneo de kárate sin grandes expectativas. Aquí entra en escena el mítico Sr. Han –Jackie Chan, siempre magnético–, maestro de kung fu y tutor espiritual del joven. Su papel trasciende la instrucción física: es el ancla moral y emocional que recuerda al público que el auténtico combate siempre es interior.

Un homenaje a la saga y un puente entre mundos

La gran sorpresa, y uno de los mayores atractivos para los seguidores de la saga, es la esperada colaboración entre el Sr. Han y el mismísimo Daniel LaRusso (Ralph Macchio). Por primera vez, dos “Karate Kids” –y sus dos universos– convergen en una misma historia, permitiendo el sueño de generaciones de fans: ver a Chan y Macchio compartiendo dojo y filosofía. La trama no los enfrenta, sino que los invita a sumar fuerzas para ayudar a Li en su evolución: Han le aporta la disciplina y la sabiduría del kung fu; Daniel le enseña la postura, la táctica y la esencia del kárate Miyagi-Do.

Esta fusión de estilos, culturas y generaciones le da frescura a la película y reinventa la fórmula clásica para una audiencia que ya no es solo la de los ochenta, sino hijos y hasta nietos de aquella primera ola de entusiasmo marcial. El legado de Cobra Kai –la serie que revitalizó la franquicia– está muy presente pero sin acaparar el protagonismo; es un guiño, un eco, más que una dependencia.

Drama, acción y corazón

“Karate Kid: Legends” no olvida que, más allá de las patadas y los torneos, la verdadera lucha está en superar miedos, errores pasados y la presión de ser diferente. Li no quiere pelear, pero las circunstancias lo fuerzan a hacerlo, tanto en la escuela como en la vida. El guion logran equilibrar momentos de gran emoción –la relación de Li con su madre, su amistad incipiente con Mia Lipani (Sadie Stanley) o la reconexión con sus raíces mediante la figura de Victor Lipani (Joshua Jackson)– con las tensiones y las rivalidades propias de cualquier buen kárate-drama adolescente.

Las escenas de entrenamiento y combate están filmadas con la espectacularidad de la tecnología actual, pero sin perder el toque artesanal y cercano que hizo mítica a la saga. Hay humor, sobre todo en los intercambios entre Daniel y Han, y un homenaje constante al legado del Sr. Miyagi. Pero sobre todo hay un mensaje: la fuerza no reside solo en el puño, sino en tener motivos para pelear, saber cuándo mostrar compasión y entender que la derrota es parte necesaria del aprendizaje.

Un digno heredero

No es casualidad que la película llegue cuando la nostalgia está más viva que nunca y la cultura pop revaloriza el significado de “mentor”, “honor” y “superación”. “Karate Kid: Legends” cumple la difícil tarea de homenajear el pasado sin quedarse atrapada en él. Regala a los viejos fans un reencuentro con sus referentes y abre la puerta a nuevas leyendas, nuevos retos y nuevos aprendizajes para quienes descubren este universo por primera vez.

El resultado: un filme entretenido, emotivo y vibrante, capaz de hablar tanto al niño que aprendió a encerar y pulir con el Sr. Miyagi como a la generación digital que sabe que, a veces, la vida te obliga a empezar de cero en un país ajeno. El ciclo se renueva, el espíritu de la saga se mantiene intacto, y el kárate –como metáfora de la vida– vuelve a brillar con fuerza en la gran pantalla.

Paco Encinar

“Drácula: A Love Tale” — Luc Besson reinventa el mito, entre la melancolía y el deseo

A veces el mito debe reinventarse, abrir nuevos surcos en un terreno saturado de imágenes, sangre y maldiciones. En 2025, el cineasta francés Luc Besson —célebre por obras tan dispares como “El quinto elemento” y “Léon”— se lanza con valentía a uno de los relatos más revisitados de la literatura y el cine: Drácula. Pero su Dracula: A Love Tale no es una versión más, un eco gótico ni una simple actualización moderna. Es, sobre todo, una apuesta por la emoción y el drama romántico, un viaje al corazón herido de Vlad —el hombre antes que el monstruo—, envuelto en los escenarios irrepetibles de la Belle Époque y la Europa helada, y con un reparto que promete redefinir el arquetipo del vampiro en la gran pantalla.

Del príncipe al monstruo: una tragedia romántica

La película arranca en el siglo XV, en el momento exacto en que un príncipe, Vlad II (Caleb Landry Jones), es despojado de su gran amor. En un gesto desafiante, renuncia a Dios —el único consuelo posible que le quedaba— y es maldecido a transitar los siglos, inmortal y solitario, cargando a cuestas un pozo de culpa y de recuerdos. No hay alivio en la eternidad: la condena de Vlad, como la de Sísifo contemporáneo, es amar y perder para siempre. Besson pone el foco en ese dolor atemporal, alejando la cámara del mero monstruo y permitiéndonos vivir el desgaste de los siglos.

Décadas de adaptaciones han tendido a profundizar en el horror, a exagerar el espanto, el colmillo, las túnicas, el castillo y la niebla. Pero Besson busca otra cosa: en palabras del propio director, su propósito fue dotar al personaje de una “vulnerabilidad melancólica, más cercana a la añoranza y el remordimiento que a la amenaza oscura”. El Vlad de Caleb Landry Jones está lejos de la monstruosidad caricaturesca: su fragilidad, la desesperación en los ojos, la búsqueda incesante de redención y la obsesión con recuperar el amor perdido, construyen un arquetipo maravillosamente humano, incluso cuando los colmillos asoman.

París y el arte de recrear el mito

La narrativa da un salto de siglos y se traslada a un París de finales del XIX, exquisitamente reconstruido, desbordante de luz eléctrica, fiestas y secretos. Aquí, Vlad, ya convertido en el legendario Drácula, cree encontrar en Mina (Matilda De Angelis) la reencarnación de su difunta esposa. La ciudad del amor se convierte entonces en el escenario de una búsqueda frenética: Drácula perseguido y a la vez perseguidor, siempre amenazado por la posibilidad de perder, de nuevo, a su único consuelo. Christoph Waltz, siempre magnético, encarna a uno de los antagonistas que dan réplica a la obsesión trágica del protagonista.

No faltan los elementos clásicos: la sombra acechante, los símbolos religiosos, el castillo nevado —para el que Besson y su equipo recrearon más de 4,000m² de decorados— y las persecuciones a lo largo de cementerios y callejones húmedos. Pero, lejos de apoyarse únicamente en el cliché visual, la cinta sobresale por su forma de dibujar, casi pictóricamente, los claroscuros de la psicología del vampiro. La fotografía a cargo de Colin Wandersman y la primera colaboración musical de Danny Elfman con Besson dotan a la película de una atmósfera entre el ensueño y el delirio.

Un Drácula para nuevos tiempos

La película se sitúa, así, a medio camino entre el homenaje nostálgico al horror gótico y la revisión cultural del mito, en tiempos de refundaciones e hibridaciones. Si en los años noventa la versión de Coppola con Gary Oldman supuso la canonización del Drácula sensual y trágico, Besson da un paso más y explora los traumas, la soledad, el agotamiento de un cuerpo y un alma condenados a eternizar la ausencia.

Gran parte del mérito reside en la interpretación de Caleb Landry Jones: según el propio director, el guión fue escrito pensando en él, y el actor corresponde con un trabajo físico y vocal impecable, desmarcado del terror clásico pero cargado de un dramatismo contenido que lo acerca más al antihéroe que al demonio. La preparación incluyó una exigente pérdida de peso, un riguroso trabajo sobre el acento rumano y una apuesta por el matiz más que por el énfasis.

Más allá de la sangre

Lo fascinante de esta nueva versión, que pronto llegará a los cines españoles (estreno: 21 de noviembre de 2025), es su capacidad para implicar emocionalmente al espectador. Aunque no renuncia a los elementos macabros ni a la sangre, Dracula: A Love Tale aborda el amor y la obsesión como formas de condena, como los verdaderos males que acechan tras la inmortalidad. El vampirismo, aquí, no es sólo una maldición sobre el cuerpo: es la perpetuación de un deseo insatisfecho, una búsqueda interminable de plenitud en tiempos que siempre cambian, como la ciudad que cobija su drama.

Expectativas y lugar en el cine europeo

Rodada en inglés, con ambición visual y un presupuesto estimado en 45 millones de euros —una de las mayores apuestas recientes de EuropaCorp y LBP Productions—, la película aspira a ser un hito en el cine fantástico europeo. El propio avance y las imágenes difundidas anticipan una cinta capaz de atraer tanto a los seguidores de los clásicos como a quienes buscan un relato de pasiones complejas y románticas.

El estreno, esperado en Francia el 30 de julio y en España el 21 de noviembre, viene precedido de un tráiler que apunta a una obra sin miedo a la sangre ni al corazón. Un Drácula que, en vez de limitarse a aterrar, nos invita a compadecer su largo viaje por la noche y el recuerdo.

En resumen, con Dracula: A Love Tale, Luc Besson no solo nos ofrece sangre fresca al mito, sino una nueva mirada sobre el amor, el tiempo y la soledad. Una crónica visual que nos hace preguntarnos si acaso el mayor castigo para un monstruo no es la muerte, sino el eterno deseo de un amor que jamás podrá restaurarse.

Paco Encinar