KINESTUBE CINE

En 1984, la compañía Disney fundaría Touchstone Pictures, una filial destinada a producir un nuevo tipo de películas dirigidas a un público más amplio. De ella surgieron «Un, dos, tres…Splash» (1984), «Matrimonio de Conveniencia» (1990) y «Pretty Woman» (1990), títulos que cosecharon un gran éxito en taquilla.

Dentro de este carácter innovador salió la idea de llevar a la pantalla grande la novela «Who censored Roger Rabbit» de Gary K Wolf. En ella Roger es un personaje de tiras cómicas que empieza a descubrir un complot contra él por parte de los editores. El detective Eddie Valiant será el encargado de investigar la trama.

Los guionistas de Disney cambiarían por completo el concepto, trasladando el espacio temporal de los 80 a los 40 y creando nuevos personajes como el malvado juez Doom. Otra de las diferencias fundamentales seria la correspondiente al título, sustituyendo censored por framed y quitando el interrogante por culpa de una superstición que alude a la mala suerte y a los fracasos económicos que conlleva el titular una película con una pregunta.

La película sufriría continuos cambios de guion y su alto presupuesto, 45 millones de dólares de la época, la convirtieron en un producto de alto riesgo al que muchos ejecutivos de Hollywood condenaron al desastre de antemano. No podían estar más equivocados, la película fue un auténtico taquillazo en todo el mundo y sus personajes calaron hondo en el imaginario colectivo.

DANDO VIDA A ROGER RABBIT

El diseño del personaje mantuvo algunos elementos propios de la compañía Disney, pero su influencia fundamental se encontraría en Tex Avery, pionero en la animación, capaz de cambiar la forma de sus dibujos, desencajándoles las órbitas de los ojos. En sus cortometrajes se desencadenaban una serie de sucesos que terminaban en una acción aún mayor que la anterior.

Roger tomó algunos rasgos de Oswald, el conejo afortunado de Walt Disney que sirvió como borrador de Micky Mouse. De cuello para arriba tenía diseño de Tex Avery, aunque encerrado dentro de un cuerpo muy prototipo de Disney.

Para darle voz se contó con el cómico Charles Fleischer, un actor que les convenció a la primera gracias a su habilidad a la hora de crear una sonoridad muy cercana a la de los dibujos animados de los 40. También prestaría su voz a Benny el taxi y a dos de las comadrejas del Juez Doom. Como dato curioso decir que este actor intervino brevemente en «Pesadilla en Elm Street» (1984) dando vida al doctor que atiende a Nancy cuando su madre la lleva a una clínica del sueño.

LOS PRODUCTORES QUERÍAN A EDDIE MURPHY QUE RECHAZÓ LA OFERTA

Bob Hoskins no fue la primera elección para encarnar al detective Eddie Valiant. Los productores quisieron contar desde el principio con Eddie Murphy, que por aquel entonces había alcanzado cotas estratosféricas de popularidad gracias a películas como «Super detective en Hollywood» (1984) o «El príncipe de Zamunda» (1988). Sin embargo la estrella del momento no quiso embarcarse en una película de dibujos animados, algo de lo que, según sus propias palabras, se arrepentiría toda la vida tras ver el resultado. De hecho en numerosas ocasiones Murphy no ha dudado en señalar esta decisión como el mayor error en su carrera.

Finalmente se tomó la decisión de contratar a Bob Hoskins, actor inglés que había tenido cierta notoriedad con la película «Mona Lisa» (1986) por la que incluso obtuvo una nominación a los premios de la Academia. Su trabajo daría comienzo mucho antes del rodaje, ya que tuvo que pulir su marcado acento británico transformándolo en el que tendría un californiano. A pesar de todo la mayor dificultad estribó en las tediosas sesiones de rodaje, donde el actor tenía que interpretar las escenas en solitario, fijándose en las marcas que le ponían para luego completar la escena con los dibujos animados. También hubo ocasiones en la que los actores de doblaje se disfrazaban de los personajes a los que ponían voz para que Hoskins y el resto del reparto de carne y hueso tuviesen no estuviesen tan perdidos.

LA DIFÍCIL TAREA DE DAR VIDA A LOS DIBUS

Los dibujos creados de manera bidimensional se movían sin apenas complicaciones por los escenarios reales, incluso interactuaban con los actores a los que entregaban objetos. Esta ilusión sería lograda por los marionetistas encargados de manejar toda serie de artilugios a los que luego se añadían los diferentes personajes animados. Cada animador debía reproducir a los dibujos pintándoles con acuarelas, y no solo se quedaban en una única capa ya que en ocasiones llegaban a hasta cinco, incluyendo la sobra que dibujaban en el suelo.

Industrial Light and Magic completaría las capas externas, creando una mayor sensación de realidad. El filme contendría más de 82.000 fotogramas animados, todos dibujados a mano y sin ninguna ayuda por parte del ordenador. La aplicación de varias capas (bases, contornos, sombras, brillos…) llevaron a los 326 animadores a realizar la friolera de un millón de dibujos. Dos años de trabajo divididos entre dos equipos: uno ubicado en Londres y otro en Los Ángeles para que pudiesen entre ambos conformar turnos de 24 horas.

El director Robert Zemeckis expresó desde el principio a los animadores su deseo de mover la cámara, lo que complicó mucho más el trabajo animación aunque el resultado fue de lo más acertado. Finalmente la labor del equipo se vio recompensada con cuatro Óscars: mejores efectos especiales, mejor montaje, mejores efectos especiales y uno honorífico para Richard Williams, que capitaneaba todo lo relacionado con la parte animada mientras Zemeckis hacia lo propio con el reparto de carne y hueso. Una estatuilla con la que se premiaba su gran aportación artística al mundo del cine.

LA PRIMERA VEZ QUE COINCIDEN EN UN MISMO PROYECTO PERSONAJES ANIMADOS DE ESTUDIOS RIVALES

Steven Spielberg y Robert Zemeckis tenían claro que para desarrollar este filme, debían convencer a estudios rivales para que sus personajes animados apareciesen en diferentes escenas. Los más destacados fueron los de Disney, con algunos cameos memorables como Dumbo, Mickey, Donald y parte del reparto de «Fantasia» (1940). Por el lado de la Warner necesitaban a sus máximos representantes como Bugs Bunny o el Pato Lucas. Las negociaciones llegaron a buen puerto con la única condición que los personajes de ambos estudios apareciesen en pantalla exactamente el mismo tiempo

SI QUIERES SABER MÁS SOBRE LA PELÍCULA VISITA «KINESTUBE CINE», DARLE AL ME GUSTA Y SUSCRIBIRTE

Escrita por Chris Columbus, la película más aclamada de Joe Dante, es una fantasía familiar que mezcla a partes iguales comedia, terror y cine de aventuras. El padre de Billy, buscando el regalo perfecto para su hijo descubre en una vieja tienda del barrio chino a un ser inclasificable mitad mono, mitad gato llamado mogwai. El dueño de la tienda, un viejo oriental no está dispuesto a venderlo pero su nieto, a espaldas del venerable anciano, decide embolsarse unos cuantos dólares a cambio del bichito. Tan solo advierte al incauto comprador que tiene que cumplir a rajatabla tres simples reglas: No mojarlo, no darle de comer a partir de la media noche y no exponerlo a la luz del sol. Pronto el regalo de cumpleaños de su hijo se convertirá en toda una pesadilla navideña que atormentará al pequeño pueblecito de Kingston Falls.

Uno de los amigos de Billy vierte por accidente agua sobre el pequeño y bondadoso mogwai, (al que el protagonista bautiza con el simpático nombre de «Gizmo») y esto hace que se reproduzca en decenas de seres similares al original que en principio no aparentan peligro ninguno. Uno de ellos destaca por parecer el más pícaro del grupo y se diferencia de los demás por tener un mechón de pelo blanco en la cabeza por lo que es bautizado como «Stripe». Este ser diabólico hará que se incumpla otra regla de oro: la de no darles de comer después de media noche, algo que provoca que los seres angelicales se conviertan en auténticos demonios que arrasarán con el vecindario el día de Nochebuena.

La crueldad extrema de estos seres propicia escenas extraordinarias como la juerga desbocada en un bar nocturno, la encarnizada lucha de la madre del adolescente protagonista en la cocina o la proyección de «Blancanieves y los sietes enanitos»(1937) en una sala atiborrada de pequeños demonios alborozados. Los gags, resultado de un exaltado humor negro, se acumulan en estas y otras escenas que convirtieron a «Gremlins» en una película de terror muy divertida y que abrió una nueva brecha dentro del género: la de las películas pobladas por pequeñas criaturas voraces cuyo único objetivo era hacer la puñeta al ser humano.

DANDO VIDA A LOS GREMLINS

Cuando se rodó Gremlins todavía los efectos especiales generados por ordenador estaban es pañales por no decir que eran inexistentes, por lo que se valieron de seres animatrónicos que cobraban vida gracias a la pericia de los especialistas. Con el fin de crear la magia y la interacción con los actores tuvieron que elevar el decorado para esconder sobre el mismo a los operadores de las marionetas y los hilos. Todo esto condujo a muchas complicaciones y largas jornadas de ensayo antes de filmar un solo plano con los protagonistas de carne y hueso. Hay que tener en cuenta que los rodajes en aquella época no eran tan baratos como ahora, ya que se rodaba en película, un formato mucho más caro que el vídeo o que cualquiera de los que se utilizan hoy en día para la grabación de películas.

Uno de los mayores desafíos fue mover al pequeño Gizmo. Se construyeron varios modelos, entre ellos uno con brazos y piernas articuladas, además de una cabeza a escala mayor capaz de soportar los primeros planos. Si uno se fija bien, la mayor parte de las veces el mogwai está sentado o metido en la mochila de el protagonista.

Los efectos especiales costaron tan solo 40.000 dólares y lo que nadie esperaba era que el diseño de las criaturas iba a promover uno de los primeros fenómenos de merchandising de la historia del cine (con permiso de «Star Wars») que sigue dando beneficios en la actualidad por la venta de muñecos y memorabilia relacionada con la película.

Todo el mundo quería llevarse un Gizmo a casa, una criatura con rasgos felinos y cuyo color lo sacaron del perro que por aquel entonces tenía Steven Spielberg, a la sazón productor de la cinta.

En una maniobra muy inteligente, Spielberg hizo varios cambios en el guion, entre ellos otorgarle mayor protagonismo a Gizmo, Spielberg adoraba al pequeño ser, hasta el punto de dar un giro en su destino final. Chris Columbus había establecido que esta mascota acaba convirtiéndose en el malvado Stripe, algo que Spielberg pensó que era intolerable en un ser tan cariñoso y adorable.

Por su parte los gremlins malos también gozarían de un gran éxito. Su diseño, mucho más reptiliano que felino, permitió que fuera más fácil su manejo por parte de los especialistas que les daban vida. La escena con mayor número de ellos sería la del cine, para la que se necesitaron algo más de 40 operadores controlando las 108 marionetas. La aceptación por parte del público fue asombrosa y pronto «Gremlins» se convirtió en un clásico atípico del cine de terror.

CONOCIENDO MEJOR A JOE DANTE

Joe Dante nació en noviembre de 1946, tres semanas antes que Steven Spielberg, y como él forma parte de una generación de cineastas cultivados desde la más tierna infancia en el género fantástico y las aventuras populares, tanto en cine como en televisión. En cuarenta años de fructífera filmografía, Dante ha sido quien con mayor vehemencia ha trasladado a sus películas ese background acumulado desde que era un niño maravillado por las imágenes en movimiento. Todos sus filmes contienen docenas de citas, referencias, homenajes o parodias de otras películas. Empezó como alumno aventajado de Roger Corman, que le produjo «Hollywood Boulevard» (1976), una desmadrada farsa sobre el propio universo cinematográfico codirigida por Allan Arkush, y Piraña (1978), una de las películas que surgieron a rebufo del tremendo éxito de «Tiburón» (1976). El propio Spielberg ha reconocido que su admiración por Dante viene precisamente por esta película, ya que se alejaba bastante de todas las imitadoras de «Tiburón» que se estrenaron tras el éxito del filme del «rey midas de Hollywood». Esto hizo que Spielberg le confiase uno de los episodios de «En los límites de la realidad» trasvase cinematográfico de la mítica serie «La dimensión desconocida».

SI QUIERES VER EL TRAILER DE «GREMLINS» PUEDES VISITAR «KINESTUBE CINE» Y DESCUBRIR LOS SECRETOS DE OTRAS PELÍCULAS

La película ganadora de 1996 logró nueve estatuillas, entre ellas la de mejor director y actriz secundaria. Con un presupuesto de 32 millones de dólares, el filme fue tildado de independiente, y aunque en cierto modo era verdad, Miramax, su distribuidora propiedad de Disney, consiguió que entrara en el circuito de las grandes campañas. Fox se negó a financiar el rodaje porque la película no estaba protagonizada por Demi Moore y en su lugar prefirieron elegir a una actriz casi desconocida para el gran público: Kristin Scott Thomas.

La película, basada en la novela del mismo título de Michael Ondaatje, se desarrolla una vez que ha finalizado la Segunda Guerra Mundial y comienza con el vuelo de una avioneta sobre el desierto de África del Norte. El piloto, el conde húngaro Almasy (Ralph Fiennes), es abatido por las fuerzas alemanas y acabará en un hospital de las fuerzas aliadas en Toscana, donde vivirá una historia de amor con la enfermera que le cuida (Juliette Binoche). También recordará el romance que mantuvo antes del accidente con la señora Clifton (Kristin Scott Thomas), cuando él y una delegación de la Real Sociedad Geográfica de Londres están destinados en el continente africano para estudiar la superficie del desierto sahariano. Mediante «flashbacks», Juliette Binoche, Kristin Scott Thomas y Ralph Fiennes desgranan la vida de unos personajes heridos física y espiritualmente.

Más de dos años tardó el director Anthony Minguella en adaptar la novela a un metraje de más de dos horas donde se reflexiona «a través del prisma de la guerra, del amor y de la amistad sobre la fidelidad, el adulterio, el nacionalismo y la traición», como declaró el propio Minguella.

RALPH FIENNES COMO EL CONDE ALMASY

Tras su interpretación en «La lista de Schindler», «Quiz Show» o «Días extraños», el actor británico Ralph Fiennes se metió en la piel de Laszlo de Almasy, un conde con el rostro completamente desfigurado por un accidente de aviación. El conde húngaro vive una doble historia de amor: con un una aristócrata inglesa (Kristin Scott Thomas) durante su estancia en el desierto y con Hana en Italia.

Gracias a este papel, Ralph Fiennes consiguió ser nominado al mejor actor principal, si bien ya lo había sido anteriormente como mejor actor secundario por su papel del brutal comandante de las SS en «La lista de Schindler».

JULIETTE BINOCHE COMO HANA

La actriz francesa consiguió el Oscar a la mejor actriz secundaria por su interpretación de Hana, una enfermera francocanadiense que trabaja para las fuerzas aliadas en Italia y que se hará cargo de Laszlo de Almasy, el conde húngaro accidentado que no recuerda su pasado y del que finalmente se enamora.

Juliette Binoche derrochó ternura en el cuidado de su paciente y cuando recogió la estatuilla reconoció no tener preparado ningún discurso pues pensó que el Oscar se lo llevaría Lauren Bacall. Juliette Binoche también recibió, entre otros, el Oso de plata del Festival de Berlín por este papel.

KRISTIN SCOTT THOMAS COMO KATHERINE CLIFTON

Junto a Binoche y Fiennes, Kristin Scott Thomas componen el elenco principal de la película, sin olvidar la interpretación de Willen Dafoe, por el que muchas productoras no apostaron.

Ktaherine Clifton, que en la novela de Ondaatje es un personaje de segunda línea se convierte en la película en un personaje frío y distante que Scott Thomas interpreta a la perfección y por el que fue nominada a la mejor actriz principal. Junto a Fiennes, formó uno de los dúos más románticos de las últimas décadas.

La actriz declaró en relación a su papel que «nunca se había sentido tan segura con ningún personaje» y hasta el propio Minguella señaló su admiración por el rostro sugerente de la actriz «que cambiaba constantemente con la cámara».

CONOCIENDO MEJOR A JULIETTE BINOCHE

El papel de la abnegada enfermera Hana, le valió a Juliette Binoche su único Oscar como mejor actriz secundaria convirtiéndose en la segunda estrella francesa que gana una estatuilla tras Simone Signoret, quien obtuvo este premio en 1959 por «Un lugar en la cumbre». Años más tarde se les sumaría Marion Cotillard que ganó el Oscar a la mejor actriz protagonista por su increíble actuación en «La vie en rose».

Juliette Binoche estudió arte dramático en el Conservatorio Nacional de París y debutó en el cine en 1983 con «Liberty Belle», de Pascal Kané, si bien su primer éxito lo alcanzó con «Rendez-vous», de André Techiné. Bajo las órdenes de Krysztof Kielowski rodó «Azul», la primera parte de la trilogía «Tres colores» (Azul, Blanco y Rojo, en clara alusión a la bandera francesa). El propio Steven Spielberg se quedó prendado de ella tras ver «Azul» y le ofreció protagonizar el taquillazo «Parque Jurásico», algo que rechazó alegando que «solo haría la película si la dejaban interpretar a uno de los dinosaurios».

Tras «El paciente inglés» La actriz recibió numerosas ofertas, pero se ha mantenido fiel a los directores que creyeron en ella en sus inicios y aunque de vez en cuando se deja ver en películas comerciales, Binoche se ha convertido en una actriz comprometida que no se ha dejado seducir por los oropeles de Hollywood.

CONOCIENDO MEJOR A ANTHONY MINGUELLA

Este director británico de origen italiano consiguió la estatuilla al mejor director con su película. Anteriormente había rodado varios telefilmes para la BBC y se estrenó como director de largometrajes con «Truly, Madly, Deeply», una comedia fantástica protagonizada por Alan Rickman. En 1993 rodó su segunda película, «Un marido para mi mujer», donde Matt Dillon y Annabella Sciorra desempeñaban los papeles protagonistas.

Minguella había leído en 1992 la novela de Michael Ondaatje y había convencido al productor Saul Zaenet, quien ya apoyara a Milos Forman, director, entre otras, de «Alguien voló sobre el nido del cuco», para llevarla al cine. El director británico llegó a realizar hasta diecinueve guiones de la película en cuatro años. Finalmente el largometraje se empezó a rodar en otoño de 1995 en Túnez.

Anthony Minguella había dicho que si no conseguía un éxito importante con «El paciente inglés» probablemente hubiera abandonado el cine, pero el filme le reportó un éxito más que sonado, en concreto se alzó con nueva estatuillas, una de ellas a la de mejor director.

PUEDES VER EL TRÁILER Y SUCRIBIRTE A MI CANAL «KINESTUBE CINE»

Thelma y Louise no tuvo que esperar a que pasaran los años para trascender la pantalla del cine. Su sensibilidad, su rabia y su rebeldía prendieron una mecha en la sociedad que ardió inmediatamente. La aventura de dos amas de casa convertidas de forma accidental en fugitivas «armadas y peligrosas» despertó la admiración de muchos y muchas y la animadversión de los sectores más machistas y recalcitrantes. Pronto la película se convirtió en un fenómeno social y todo el mundo tenia una opinión formada sobre ella. Era el momento de romper los estereotipos de las mujeres en el cine y hacer saber a esos que proclaman que «la mujer mejor en casa y a su labores» que se equivocaban de cabo a rabo.

Thelma y Louise revoluciono el cine «femenino» al apostar por una aventura arriesgada que no buscaba proteger a las mujeres, sino vengarlas, sin miedo de incomodar a los espectadores del género masculino. Unas protagonistas muy alejadas de aquellas amas de casa que poblaban a sus anchas la mayor parte de las películas de los 80.

La película se convirtió en un referente para la causa feminista ya que encontró una vía de escape y se convirtió en una atalaya desde la cual pudo gritar una voz que llevaba décadas silenciada: la de las mujeres reprimidas y oprimidas por sus novios o maridos. La actriz Geena Davis llegó a declarar que si alguien se sentía amenazado o incomodado por la película es porque se estaba identificando con el personaje equivocado, y razón no le faltaba ya que hubo, hay y seguirán existiendo hombres y mujeres (porque esto del machismo a veces y de forma sorprendente no es cuestión de género) que continuarán pensando en eso de que la mujer es el sexo débil. Y si no que se lo pregunten a la guionista de la película, Callie Khouri. A pesar de tener bajo el brazo uno de los mejores guiones que se han escrito en la historia del cine su proyecto fue rechazado en multitud de ocasiones, a veces por falta de agallas por parte de los ejecutivos de Hollywood, otras porque los que cortaban el bacalao no veían claro eso de que dos mujeres tomaran la rienda de sus vidas de forma tan explosiva y otros porque directamente veían en el proyecto un suicidio profesional y comercial. Hay que recordar que en esa época el hetero patriarcado de Hollywood veía a las mujeres como una minoría con fecha de caducidad a partir de los 30 años, una edad que superaban ya con creces Susan Sarandon y Geena Davis.

Callie Khouri, aclaró que en ningún momento se planteó escribir una historia sobre modelos de conducta femeninos ya que según sus palabras y citando textualmente: «Nadie le pide a Tarantino, Scorsese o a Oliver Stone que escriban sobre modelos de conducta. Sin embargo la película de John Singleton «Los chicos del barrio» recibió críticas similares a la mía. Y también otras películas con personajes negros. Y entonces lo entendí: las mujeres y los negros tienen que representar buenos modelos de conducta, pero todos los demás pueden hacer lo que le sale de los cojones».

Cuando Callie Khouri recogió su Oscar al mejor guion original lo dedicó a todos aquellos que habían criticado la película por carecer de un final feliz, rematando la dedicatoria con un «para mí este lo es» mientras sujetaba la flamante estatuilla. Un guantada sin manos para aquellos que no creyeron en ella y que pusieron en peligro la viabilidad de su historia.

EN BUSCA DE THELMA Y DE LOUISE: SUSAN SARANDON Y GEENA DAVIS NO FUERON LAS PRIMERAS CANDIDATAS

Jodie Foster y Michelle Pfeiffer fueron las elegidas pero no tuvieron más remedio que abandonar cuando se retrasó la producción, ya que ambas estaban comprometidas con otros proyectos. El atractivo de interpretar a dos amas de casa que ven como la vida les cambia de la noche a la mañana hizo que grandes estrellas suplicaran para hacer el casting. Entre ellas destacaron Julia Roberts, Meg Ryan, Kathleen Turner, Cybill Shepherd y Cher. Esta última fue considerada muy seriamente por el director de casting que no logró convencer a Ridley Scott. Al director no le gustaba el sentido del humor de la intérprete de «Belive» y pensó que no encajaría en ninguno de los dos personajes.

Otras dos grandes estrellas que se interesaron por el proyecto fueron Meryl Streep y Goldie Hawn, que se presentaron en un pack indivisible, ya que las dos como grandes amigas que eran deseaban hacer una película juntas. Sin embargo las pegas de una y de la otra sobre algunos aspectos del guion hizo que finalmente no contasen con ellas. Eso sí, poco después las veríamos juntas en la película de Robert Zemeckis «La muerte os sienta tan bien».

Scott finalmente eligió a Geena Davis para hacer de Thelma y llamó a Susan Sarandon para hacer de Louise, curiosamente una de las pocas actrices de Hollywood que no suplicó ni se interesó en un principio por el papel. Ambas actrices tenían una dilatada carrera a sus espaldas, Davis incluso había ganado el Oscar a la mejor actriz de reparto por «El turista Accidental». Por su parte Sarandon había protagonizado filmes de culto como «The Rocky picture horror show», sin embargo sus niveles de popularidad crecerían hasta niveles estratosféricos después del estreno de «Thelma y Louise». Para ellas supuso un salto al vacío que cambio sus vidas y el de todos los que acudieron a ver la historia, nada convencional, de dos amas de casa que toman las riendas de sus vidas para alcanzar la libertad le pese a quien le pese.

EL PAPEL QUE CATAPULTÓ A BRAD PITT

Para interpretar a J.D., el joven y cortés cowboy autoestopista que, enamoraba a Thelma, para después robarles todo el dinero que llevaban encima, eligieron a un actor de indudable atractivo físico llamado William Bradley Pitt, más conocido como Brad Pitt. El actor sólo había tenido experiencia previa en roles secundarios en algunas series de televisión, como “Dallas” haciendo de yerno de Priscilla Presley o como víctima de Freddy Krueger en la serie «Las pesadillas de Freddy». Callie Khouri, contó que cuando le anunciaron que habían encontrado finalmente al actor que interpretaría a J.D., pidió ver en persona a quién encarnaría el personaje, para asegurarse de que su físico estaría a la altura del papel. Cuando se encontró cara a cara con Brad Pitt se quedó unos instantes sin voz. Posteriormente declaró: «Creo que funcionará». Por supuesto que funcionó, a partir de ese momento Brad Pitt pasó a convertirse en un sex symbol, la estrella mejor pagada de Hollywood y un actor que ha crecido con el paso de los años. Sus dos Oscar y su larga trayectoria profesional le avalan y a día de hoy sus películas siguen generando millones de dólares. Por cierto, por aquel entonces se presentó al casting un desconocido, por aquel entonces, George Clooney, que no convenció nada a Ridley Scott.

SI QUIERES SABER MÁS DE THELMA Y LOUISE VISITA EN YOUTUBE «KINESTUBE CINE».

Once estatuillas, las mismas que había conseguido «Ben Hur» en 1959, y años más tarde «Titanic» en 1997 y «El señor de los anillos: El retorno del rey» en 2003 convirtieron a «West Side Story» (con diez Oscar más uno honorífico), en el filme ganador de ese año y en una de las películas más premiadas en la historia de los Oscar. De esta forma, un musical desbancaba a películas como «Los cañones de Navarone», que sólo obtuvo el premio relativo a los mejores efectos especiales o «Vencedores y vencidos», que consiguió dos estatuillas cuando estaba nominada en diez categorías.

Con «West Side Story» comenzaba una década en la que los musicales jugaron un papel protagonista como quedó de manifiesto con «My fair lady» (1964) de George Cuckor; «Mary Poppins» (1964), de Robert Stevenson, «Sonrisas y lágrimas» (1965) de Robert Wise, el mismo director de la película ganadora de 1964 y «Oliver» (1968), de Carol Reed.

La idea de realizar «West Side Story» nació en 1949 cuando el actor Montgomery Clift intentaba llevar a los escenarios una nueva versión de «Romeo y Julieta», el clásico de William Shakespeare. Para poner en marcha esta idea pidió consejo al afamado coreógrafo de Broadway Jerome Robbins, que no dejó pasar la oportunidad de poner en marcha este proyecto al que también se unieron el músico Leonard Bernstein, el escritor Arthur Laurents y el letrista Stephen Sondheim. Así el 26 de septiembre de 1957 se estrenaba «West Side Story» en los escenarios de Broadway donde se representó en casi ochocientas ocasiones.

En 1961 se rodó la película, una producción dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, que comienza con una magnífica panorámica de las calles de Nueva York a cámara lenta para acercar al espectador a las dos bandas rivales, la de los «jets» (neoyorkinos) y la de los «sharks» (puertorriqueños). Tony (Richard Beymer), que había sido jefe de los «jets», una pandilla que ahora capitanea Riff (Russ Tamblyn) se enamora de María (Natalie Wood) que a su vez es hermana de Bernardo, el cabecilla de los «sharks» y novio de Anita (Rita Moreno). La aparición de diferentes noticias sobre enfrentamientos entre pandillas de neoyorkinos y jóvenes puertorriqueños fue el detonante para que «West Side Story» tratara el tema de las confrontaciones entre pandillas juveniles. El filme puso de manifiesto las tensiones entre grupos raciales en las calles de Nueva York mostrando la violencia como una forma de exteriorizar la frustración que acabará en tragedia. Un drama que al final servirá para unir a las dos pandillas enemigas.

En el rodaje de «West Side Story» las cámaras salieron a la calle para aportar esa multiplicidad de planos que recreaban el ritmo y las coreografías de los números musicales de la película. Títulos como «María», «Tonight» o «Americana», forman parte ya de la historia del cine y de una nueva concepción del género musical, donde las canciones son también una fuente de información sobre los personajes y el ambiente el que se desarrolla la película.

Además de convertirse en la película triunfadora de la noche de los Oscar, «West Side Story» fue un auténtico éxito de taquilla, pues los seis millones de dólares que costó el rodaje fueron de sobra amortizados con los 20 millones de dólares de la época que recaudó en las salas. En París por ejemplo «West Side Story» se proyecto durante cinco años de forma ininterrumpida en el mismo local donde se estrenó.

Aunque algunos actores como George Chakiris habían trabajado en el musical del mismo nombre en Broadway, cuando se decidió llevar la obra a la gran pantalla se recurrió a unos actores que o bien sabían cantar o bien bailar, pero nunca ambas cosas. Tal es el caso de los protagonistas, Natalie Wood y Richard Beymer, cuyas voces tuvieron que ser dobladas por Marni Dixon y Joli Privant.

NATALIE WOOD COMO MARÍA

Natalie es María, la hermana de Bernardo, el cabecilla de los «sharks». Es una joven puertorriqueña que llega a Nueva York donde se enamora de Tony, el antiguo cabecilla de los «jets». Los problemas entre las pandillas se acrecientan augurando un tráfico final.

Natalie Wood había participado anteriormente en «Rebelde sin causa» (1955), junto a James Dean, y ese mismo año también rodó «Esplendor en la hierba» (1961), por la que estuvo nominada como mejor actriz. Sin embargo tras el éxito obtenido en «West Side Story», Natalie Wood no tuvo una carrera fulgurante y decidió dedicar la mayor parte de su tiempo a su familia. La actriz californiana murió en extrañas circunstancias en una accidente marítimo a los 43 años de edad.

RYCHARD BEYMER COMO TONY

Richard Beymer capitaneaba a los «jets», pero decide refugiarse en el trabajo y apartarse de este mundillo hasta que conoce en una fiesta a María, de la que se enamora perdidamente. Tony y María son los protagonistas principales de este drama, aunque sus interpretaciones no obtuvieron el reconocimiento de la Academia que concedió el Oscar como mejores intérpretes a sus compañeros de reparto Rita Moreno y George Chakris.

Después de «West Side Story», Rychar Beymer rodó algunas películas de menor importancia. Incluso dirigió alguna como «The interview» y participó en míticas series de televisión como «Twin Peaks».

CONOCIENDO MEJOR A GEORGE CHAKRIS

George Chakris es un ejemplo de aquellos actores cuya carrera cinematográfica después de obtener el Oscar no siguió las mieles del éxito. Chakris había comenzado a trabajar a la edad de doce años haciendo los coros de «Song of love». Tras participar como bailarín en diferentes filmes como «Los caballeros las prefieren rubias», de Howard Hawks, o «Brigadoon», el actor norteamericano tuvo su primer papel dramático en «Underfire», de James B Clark (1957). Su segunda interpretación estelar fue en el musical «West Side Story», donde se convierte en Bernardo. Anteriormente, Chakris había trabajado en el teatro con este mismo musical, pero en el papel de Riff. Sin embargo en el filme de Robert Wyse y Jerome Robbins, Chakris es el cabecilla de los «sharks», un papel idóneo para el actor, dado su aspecto altino, que además le permitió ganar el Oscar como mejor secundario.

Después trabajó junto a grandes estrellas como Charlton Heston en «El señor de Hawai» o Claudia Cardinale en «La chica de Bube». Sin embargo poco a poco fue centrando su carrera en el mundo de la televisión, donde se le pudo ver en la popular serie de los 80 «Dallas», reduciendo cada vez más sus intervenciones en largometrajes.

CONOCIENDO MEJOR A RITA MORENO

Rosa Dolores Alverio figura en el libro «Guinness» de los récords por pertenecer al selecto club que lo componen solo 16 personas que han ganado los cuatro grandes premios de la industria del entretenimiento estadounidense: El Oscar, el Emmy, el Tony y el Grammy. A sus 90 años de edad esta artista puertorriqueña tiene una amplia carrera a sus espaldas aunque no puede decirse que se haya convertido en la estrella que sus fans hubiesen deseado que se convirtiese. Sus comienzos fueron en Broadway, con trece años, bajo el nombre de Rosita Cosío, y desde entonces no ha parado de trabajar como actriz de cine, teatro y televisión, además de dedicarse al mundo de la canción. En 1954 su imagen llenó las portadas de la revista «Life» y en 1961 ganó su único Oscar como mejor actriz secundaria por su papel de Anita en «West Side Story». Tras este éxito, Rita comenzó a apartarse poco a poco del mundo de Hollywood y se marchó a Londres para trabajar en teatro. A su regreso rodó junto a Marlon Brando «La noche del día siguiente».

En la década de los setenta, compaginó su actividad cinematográfica con la música y grabó un disco por el que recibió un Grammy. Después volvió a Broadway con la obra «The Ritz», por la que fue galardonada con un Tony, a la vez que trabajaba en televisión donde también obtuvo su reconocimiento con un premio Emmy por «The muppet show» (1976).

En la actualidad Rita Moreno ha vuelto a ser noticia por interpretar a Valentina en el magnífico remake de «West Side Story» dirigido por Steven Spielberg. Aunque no ha conseguido su esperada nominación al Oscar como mejor actriz de reparto por este papel, sí lo ha hecho la actriz Ariana DeBose, que ha sido la encargada de dar vida a Anita para las nuevas generaciones.

EL «WEST SIDE STORY» DE STEVEN SPIELBERG: NUNCA SE HIZO UN REMAKE CON TANTA DIGNIDAD

Aunque la película no ha obtenido los resultados esperados en taquilla, la crítica ha alabado la cinta de Steven Spielberg, estrenada con más de un año de retraso por culpa de la pandemia. El filme de «el rey midas de Hollywood» se acerca más al montaje musical de teatro que a la película de 1961 pero capta a la perfección la esencia de la historia de amor entre Tony y María, la versión moderna de «Romeo y Julieta».

Los números musicales han sido coreografiados con la precisión de un relojero suizo y filmados con cámaras de última generación. Además Spielberg en esta ocasión ha contado en su mayoría con actores latinos de verdad, algo que no ocurrió en la original, para la que se contrató a actores blancos a los que luego se les oscureció la piel. En una señal de respeto hacia la comunidad latina Spielberg también decidió no subtitular las partes dialogadas en castellano. Solo falta esperar si de las once nominaciones al Oscar que ha obtenido alguna se materializa en estatuilla dorada o la academia decidirá que se vaya de vacío tal y como hizo en su día con «El color púrpura».

SI QUIERES SABER MÁS DEL REMAKE DE «WEST SIDE STORY» DIRIGIDO POR SPIELBERG PUEDES VISITAR EN YOUTUBE «KINESTUBE CINE»

Y SI QUIERES VER EL TRÁILER DE LA PELI DE 1961 AQUÍ LO TIENES

LA LUCHA POR LA VIDA

Los años del exterminio que los nazis cometieron contra los judíos han quedado grabados no sólo en las páginas de los libros de nuestra historia, sino en los corazones de muchas familias judías, rotas por la desaparición de sus seres queridos. Steven Spielberg quiso retratar la realidad de esta época a través de un trabajo duro, rodado en blanco y negro, que supone un fiel testimonio de los horrores cometidos en los campos de concentración.

El argumento se basa en la vida de Oskar Schindler, empresario afiliado al partido nazi, que consiguió salvar la vida a más de mil judíos. Su trabajo como director de una fábrica de utensilios de cocina le permitió elaborar una lista con el nombre de sus empleados y familias para salvarles del cruel destino que los mandos de las SS habían acordado. La estrategia de Schindler fue tan sorprendente como eficaz, ya que explotó desde un primer momento el trabajo de los judíos para hacerse rico. Aún así mostró mucha más humanidad que sus compatriotas y su acción sirvió para quedar inmortalizado en la película de Spielberg.

Polonia, y sobre todo la ciudad de Cracovia, fue el escenario que utilizó Spielberg para situar la acción de este filme, probablemente el mayor reto cinematográfico de su carrera. El resultado final fue que el «rey midas» de Hollywood consiguió brindar uno de los mayores homenajes que el cine ha destinado a los nombres que formaron la otra lista negra de las víctimas del holocausto judío.

«La lista de Schindler» es algo más que una película. Rodada como si un documento histórico se tratase, nos muestra el lado más cruel del régimen nazi con una sola intención: brindar un homenaje a los millones de personas que sufrieron una de las mayores crueldades cometidas por la humanidad. La lista de «los salvados» no es más que una crítica a los genocidios pasados y actuales que suceden en Europa y en otras partes del mundo. Steven Spielberg consiguió realizar un canto a la vida en el que la historia se revela tal y como es.

Los requisitos de Hollywood de conseguir un filme ante todo comercial fueron cumplidos desde el primer momento, pero no por ello se dejó de lado el realismo con el que se pretendía contar cada mínimo detalle. La película se basó en la novela «El Arca de Schindler», publicada en 1982, en cuya introducción su autor, Thomas Keneally, dice querer «evitar la ficción» para que no pueda «desmerecer la verdad» o «borrar los límites entre realidad y mito». La película muestra una fiel radiografía de los sucesos acaecidos en 1939 en la ciudad de Cracovia, donde se concentraba una de las comunidades judías más importantes de Europa, y dónde el antisemitismo era de los más violentos.

El hecho de que todas las escenas de la película se rodasen en blanco y negro, como si de un filme antiguo se tratara, no sólo consiguió dar realismo a cada escena, sino que aportó mayor carga dramática a la trama. La combinación de contrastes es lo que consigue captar bruscamente la atención del espectador, como se comprueba en el caso de la niña judía con el abrigo rojo que juguetea por las calles de la ciudad. Con este toque de color, Spielberg dirige la mirada hacia un objetivo inocente.

LA NOCHE EN LA QUE LA ACADEMIA DE HOLLYWOOD SE RINDIÓ ANTE SPIELBERG

En la gala de 1993 se cumplieron todos los pronósticos y «La lista de Schindler» ganó el Oscar a la mejor película. De alguna manera los miembros de la Academia debían a Steven Spielberg ese codiciado premio tras el feo que le hicieron por «El color púrpura» una magnífica película que obtuvo 11 nominaciones a los Oscar y que se fue, de forma muy injusta, con las manos vacías.

Los siete Oscar otorgados en la noche del 21 de marzo de 1993 a la «Lista de Schindler» hicieron de este filme el indiscutible triunfador de la gala al adjudicarse las estatuillas a mejor película, guion adaptado, fotografía, banda sonora, montaje y dirección. Después de algunas decepciones anteriores, Steven Spielberg vivió una noche de gran alegría al comprobar que una de sus películas había sido por fin valorada por la Academia de Hollywood.

LIAM NEESON COMO OSKAR SCHINDLER

Descubierto por Steven Spielberg mientras actuaba en una obra de de Anna Christie, Liam Neeson tuvo su mayor oportunidad profesional con «La lista de Schindler», filme por el que obtuvo una nominación al Oscar como mejor actor en 1993. Liam Neeson interpretó a Oskar Schindler, un corrupto director de una fábrica de utensilios de cocina, afiliado al partido nazi, que consiguió salvar más de un millar de personas de morir en los campos de concentración. No fue difícil para ester actor asumir este complejo papel, ya que contaba con una amplía experiencia cinematográfica, a las órdenes de prestigiosos directores como John Irvin, en «Con su propia ley» (1989) o Woody Allen en «Maridos y mujeres» (1992). Su intervención en el teatro le abrió las puertas al cine, con la versión cinematográfica de «La leyenda de Excalibur» (1990).

La triunfal trayectoria de Neeson, así como su carisma popular, fue clave para que George Lucas le eligiera para protagonizar la cuarta entrega (en realidad la primera) de «La guerra de las galaxias: Episodio I (1999).

RALPH FIENNES COMO AMON GOETH

Una de las cualidades que ha llevado a este actor a recibir las mejores críticas es su capacidad para interpretar personajes de perfil complejo. Su magnetismo, su mirada penetrante y su atractivo inglés convirtieron a Ralph Fiennes en una de las grandes estrellas del cine.

En «La lista de Schindler» su interpretación del director de un campo de concentración nazi le proporcionó una nominación al Oscar como mejor actor secundario, aunque la preciada estatuilla cayó en manos de Tommy Lee Jones por «El fugitivo».

BEN KINGSLEY COMO ITZHAK STERN

Este actor que dio vida a Gandhi en el filme de Richard Attenborough, por el que recibió el Oscar y el Globo de Oro al mejor actor en 1982, fue la persona elegida por Spielberg para interpretar a Itzhak Stern, el contable judío que se encargó de elaborar la lista que da nombre a la película. Su origen indio y sus rasgos peculiares le convirtieron en el candidato idóneo para este papel, que le consagró aún más en la meca del cine.

SI QUIERES VER EL TRÁILER DE LA PELÍCULA VISITA EN YOUTUBE «KINESTUBE CINE», TE INVITO A QUE TE SUSCRIBAS Y DISFRUTES DE LA INFORMACIÓN AMPLIADA DE TUS PELÍCULAS FAVORITAS.

Tras igualar a «Eva al desnudo» con 14 nominaciones y obtener 11 estatuillas como en su tiempo hizo «Ben Hur», «Titanic» se convirtió en la gran triunfadora de la noche de los Oscar. La película se hizo, entre otros, con dos de los cinco premios grandes, el de mejor película y mejor director, James Cameron, si bien sus protagonistas, Leonardo Di Caprio – que no llegó a estar nominado – y Kate Winslet tuvieron que rendirse ante Jack Nicholson y Helen Hunt, ganadores del premio al mejor actor y actriz respectivamente por sus papeles protagonistas en «Mejor imposible». La romántica historia de amor, que se convirtió por aquel entonces en el filme más taquillero de la historia del cine, encandiló a un público de todas las edades en lo que algunos no tardaron en denominar como el «Lo que el viento se llevó» de la década de los 90.

El hundimiento del Titanic encierra dos historias paralelas: la puramente técnica, en la que se cuenta como este enorme barco naufragó la noche del 14 al 15 de abril de 1912, al chocar con un iceberg en apenas dos horas y treinta minutos, dando lugar a una de las mayores catástrofes de la historia de la navegación, y a una romántica historia de amor en la que una joven de alta alcurnia (Rose) se enamora de un joven (Jack) que viaja en tercera clase y que acaba de ganar su pasaje en una partida de póker.

Rose vivirá junto a Jack cinco maravillosos días en el llamado «buque de los sueños» y se adentrará en la vida real, algo bastante lejano para los pasajeros de primera clase, con una existencia rodeada de toda clase de lujos pero carente de valores.

De las 2.229 personas que iban a bordo del Titanic, solamente sobrevivieron 705. Todos perecieron bajo las gélidas aguas del Atlántico Norte, pero hubo diferencias de clases hasta el final. El 34 por ciento de las personas de primera clase se salvaron frente al 8 por ciento de los de tercera. Con el Titanic se hundió una generación y un estilo de vida. Si el capitán Smith hubiese hecho caso de las numerosas advertencias que informaban de la presencia de grandes masas de hielo en el océano, el transatlántico no se hubiese hundido. Los cohetes blancos en lugar de rojos, que se lanzaron desde el barco no avisaban de la dramática situación en la que se encontraba. Tras la tragedia quedó el mito y la leyenda.

LA PELÍCULA SE CONVIRTIÓ EN LA MÁS TAQUILLERA DEL CINE HASTA QUE LLEGÓ AVATAR.

James Cameron marcó un hito en la historia del cine que sólo él pudo superar más tarde con «Avatar» consolidando su figura de director más taquillero hasta ese momento. En cuanto a Titanic el propio James Cameron se quedo perplejo cuando el largometraje acabó convirtiéndose en la película más cara de la historia y los sesudos expertos no daban un duro por ella y vaticinaban un naufragio de proporciones bíblicas. Sin embargo una marabunta de espectadores acudió a los cines para ver la historia de amor entre Jack y Rose, es más un 20 por ciento de ellos volvieron a repetir experiencia por segunda vez antes de que se lanzase en vídeo. El largometraje se convirtió por lo tanto en un fenómeno social con entidad propia.

EL DIBUJO DE LA JOVEN ROSE LO HIZO EL PROPIO JAMES CAMERON

El afamado director tenía previsto hasta el último detalle de la película. Prueba de ello es el dibujo de Kate Winslet desnuda portando la preciada joya «El corazón de la mar», que el mismo Cameron se encargó de realizar, aunque en la película sea Di Caprio el que retrata a la joven Rose.

DOBLE NOMINACIÓN POR UN MISMO PAPEL

Tanto Gloria Stuart como Kate Winslet fueron nominadas al Oscar a la mejor interpretación secundaria y principal respectivamente por su interpretación de Rose De Witt Bukater, a la que Kate Winslet encarna de joven y Gloria Stuart de anciana. Esta era la primera vez en la historia de los Oscar que dos actrices resultaban nominada por interpretar el mismo personaje en la misma película. Como ya sabemos Kim Basinger le arrebató el Oscar a Gloria Stuart por su magnífica interpretación en «L.A. Confidential» y Helent Hunt se lo quitó de las manos a Kate Winslet por «Mejor imposible».

KATE WINSLET COMO ROSE DEWITT BUKATER

Tras su incursión en el mundo de la televisión y del teatro y el éxito cosechado en «criaturas celestiales» y «Sentido y sensibilidad», Kate Winslet dio el salto definitivo con «Titanic» interpretando a Rose, una joven de clase alta cuya vida discurre sin ningún aliciente hasta que Jack se cruza en su camino. Esta relación es mal vista por la madre de Rose, que ve en el matrimonio de su hija con el adinerado Cal Hockley la salvación de su apellido y la continuación de un estilo de vida que de otro modo no podría mantener. Rose luchará y junto a Jack vivirá una intensa historia de amor. El papel de Rose le valió a Kate Winslet su primera nominación al Oscar como mejor actriz principal.

Tras «Titanic» Kate Winslet ha sido protagonista de numerosas películas y series de televisión destacables como «Mare of Easttown» y ganó el Oscar por su impecable interpretación en «The reader».

LEONARDO DI CAPRIO COMO JACK DAWSON

Desde que protagonizase su primer anuncio a los doce años, el actor no ha parado de trabajar. Tras su paso por «Vida de este chico», Di Caprio dio muestras de su buen hacer en «¿Quién ama a Gilbert Grape?» interpretando al hermano disminuido psíquico de Johnny Depp y con la que obtuvo su primera nominación al Oscar. Más tarde le llegarían otros papeles en «Diario de un rebelde», «Romeo y Julieta» o «Rápida y mortal», película en la que Sharon Stone rebajó su sueldo para poder contar con el actor entre el elenco protagonista.

De la mano de James Cameron, Di Caprio se convirtió en el rey del mundo. Su personaje en «Titanic» es el de Jack Dawson, un artista errante para el que cada día es una historia diferente que hay que vivir a fondo. «Haz que cuente», le dice Jack a Rose cuando queda con ella en secreto. Y por su puesto que su historia cuenta, hasta tal punto que nada ni nadie podrá detener su idilio.

Tras «Titanic» Di Caprio ha sido protagonista en numeroso filmes de calidad y taquilleros, ha trabajado con los mejores directores, ha recibido varias nominaciones a los Oscar y aunque parecía que el premio se le resistía, y mucho, finalmente lo consiguió por «El renacido».

CONOCIENDO MEJOR A JAMES CAMERON

Este canadiense que obtuvo su primer éxito con «Terminator» en el año 1984 fue el gran protagonista de la noche de los Oscar. Al grito de «¡Soy el rey del mundo! emulando a Jack Dawson, el protagonista de «Titanic», Cameron subió al escenario del Shrine Auditorium de Los Ángeles para recoger el Oscar que le acreditaba como mejor director, además de los conseguidos como productor y montador.

Tras películas como «Aliens: el regreso», (de la cual se dice que entró en el despacho de los ejecutivos de un gran estudio y dibujo en una pizarra el título «Alien» al que añadió a continuación el símbolo del dólar a modo de «S» para convencer de inmediato a los mandamases que ahí estaba el dinero), «Abyss»o «Mentiras arriesgadas», llegó «Titanic» una superproducción para la que Cameron no escatimó ningún tipo de detalle. Incluso renunció a su sueldo a cambio de un porcentaje en los beneficios que la película reportase para poder acabar de rodarla.

Hasta doce veces descendió Cameron a los restos del Titanic, situados a 4.000 metros de profundidad, para «recuperar algo del naufragio y compartirlo con el mundo pero sin tocar el barco ni molestarlo» según su propias palabras. Cameron se rodeó de grandes expertos como el historiador Don Lynch y el artista Ken Marschall, dos de los mayores expertos en la historia del Titanic. Detalles como la orquesta tocando hasta el final o los pasajeros jugando con los trozos de hielo del iceberg son una fiel reproducción de la realidad. «El naufragio de la película es el auténtico naufragio» declaró el propio Cameron.

PUEDES VER EL TRÁILER DE TITANIC EN EL CANAL DE YOUTUBE «KINESTUBE CINE» Y SUSCRIBIRTE AL MISMO SI TE PARECE BIEN 😉

Ganadora de seis de las once nominaciones a los Oscar que obtuvo, «Forrest Gump» fue la película triunfadora en la gala de 1994, con el premio a la mejor película, mejor dirección, mejor actor, guion adaptado, montaje y efectos especiales. Tom Hanks consiguió aportar el aire ingenuo, mágico, tierno y cómico que exigía el papel y que le sirvió para obtener, por segundo año consecutivo, la estatuilla al mejor actor principal. La originalidad de su guion y sus novedosos efectos especiales fueron un motivo suficiente para que «Forrest Gump» brillara con fuerza en la noche de las estrellas.

El hecho de que el guion estuviera aparcado durante nueve años sin que nadie se atreviera a filmarlo supuso un aliciente más para que Robert Zemeckis lo llevara a la gran pantalla. El director norteamericano no se equivocó con su elección.

La película traza un recorrido por tres décadas de la historia de Estados Unidos de la mano de Forrest Gump, un chico con una discapacidad física y mental. Sin embargo sus limitaciones no le impiden tener la oportunidad de realizar su particular sueño americano y conocer a personalidades como Kennedy, Nixon o Elvis Presley. Como contrapunto está Jenny (Robin Wright), la joven que desde niño conquistó su corazón y que tiene todas las cualidades para triunfar en la vida, algo que como se verá a lo largo de la película se tuerce de forma irremediable. Un amor no correspondido y una historia trágica con escenas llenas de dulzura, pero con un fuerte contexto moral, constituye la línea argumental de una película con la que se defiende que el mundo puede ser mucho mejor…como si fuese una caja de bombones.

En definitiva «Forrest Gump» tiene un gran trasfondo de crítica y a través de ella su director pretendió influir en la sociedad norteamericana con una actitud moralizante. El tono humorístico y amargo de gran parte de sus escenas concede personalidad propia a este filme que intenta realizar un diagnóstico de la historia más destaca de Estados Unidos a lo largo del siglo XX.

Las críticas a la estupidez burocrática, a la inutilidad de las guerras, a los radicalismos hippies y la defensa de los valores de la igualdad y a la no marginación se defienden de principio a fin. La bondad y la dulzura que caracterizan a Forrest Gump se presentan como los ingredientes imprescindibles para que cualquier persona pueda conseguir su felicidad.

UNA REVOLUCIÓN EN LO QUE A EFECTOS ESPECIALES SE REFIERE

Con un presupuesto total de 55 millones de dólares, Zemeckis no escatimó en medios para lograr la mejor puesta en escena posible. Con sólo 1.500 extras se recreó una manifestación a favor de la paz en la que parecía haber cientos de miles de personas. Por otra parte, los efectos especiales utilizados conseguían simular acontecimientos históricos nunca ocurridos y enmarcar al protagonista en un entorno aparentemente real. Las imágenes trucadas nos permitían ver al protagonista con personajes ya fallecidos, y que sin embargo, parecían estar vivos de nuevo.

TOM HANKS COMO FORREST GUMP

Considerado como uno de los mejores actores por la crítica de todo el mundo, Tom Hanks ha sabido ganarse el cariño del público en sus diversos papeles cinematográficos. Películas como «1,2,3 Splash», «Big», «Filadelfía», «Náufragos» o «Apolo 13» le consagraron entre las grandes estrellas, al tiempo que también era reconocido como un gran escritor y director.

El personaje de Forrest Gump lo catapultó a su segundo Oscar tras el obtenido por su trabajo en «Filadelfia» y lanzó el largometraje a los primeros puestos de las películas más taquilleras del año. Tom Hanks aporta dulzura y la ternura necesarias que caracteriza al personaje principal: un hombre bueno cuyas deficiencias mentales y físicas son superadas con creces gracias a su ingenio, tenacidad y sobre todo su gran corazón.

ROBIN WRIGHT ES JENNY

Jenny representa todo lo que es hermoso para Forrest Gump. Enamorado de ella desde que era un niño, no quiere darse cuenta de que la vida cambia mucho a las personas y su amiga no resulta ser una excepción. Sus relaciones turbulentas con hombres, las drogas o las comunas hippies, no eran motivo suficiente para que Forrest dejara a un lado su amor por ella. La crítica valoró notablemente a Robin Wright por su papel de Jenny. Más tarde protagonizó otros filmes destacados y en televisión la crítica se ha rendido a sus pies por su papel en «House of cards».

SALLY FIELD COMO MRS. GUMP

La leyenda del cine, Sally Field, fue la encargada de dar vida a la madre de Forrest. Varias fueron las películas que la consagraron como una gran actriz pero fue «Norma Rae» y «En un lugar del corazón» los largometrajes que hicieron que se llevara sendas estatuillas.

CONOCIENDO MEJOR A TOM HANKS

Tom Hanks recibió una nueva gran sorpresa en la edición de los Oscar de 1994, cuando logró la segunda estatuilla consecutiva al mejor actor principal por su interpretación en «Forrest Gump». Sólo una actor, Spencer Tracy, protagonizó ese mismo éxito en 1937 y 1938. Para redondear la similitud destacar que ambos intérpretes tenían la misma edad, 37 años al recoger la primera estatuilla y 38 al recoger la segunda. Hanks ya había conseguido el premio en 1993 por «Filadelfia» y completaba así un magnífico palmarés en la historia de los premios de la Academia a los cuales ha sido nominado en varias ocasiones. «Filadelfia» supuso su consagración como actor serio. En esta película, que rompió tabúes muy arraigados en la época como la homosexualidad y el sida, que estaba causando estragos, Tom Hanks se comprometía a defender a un colectivo muy marginado en Estados Unidos y en gran parte del mundo. En las declaraciones que ofreció en sus entrevistas lanzó duras críticas contra la intolerancia y apostaba por una sociedad muy diferente en la que las minorías dejasen de ser consideradas como sectores aislados. Tom Hanks interpretaba a un joven y prometedor abogado homosexual despedido del bufete en el que trabajaba cuando revela que es seropositivo, lo que le llevará a luchar por su puesto de trabajo. Antonio Banderas compartió cartel con Hanks y su participación fue muy valorada por la crítica en una época en la que el actor español empezaba a abrirse camino en la meca del cine.

Hijo de padres divorciados y descendiente directo de Nancy Hanks, la madre de Abraham Lincoln, desde pequeño sintió la atracción por la interpretación e intervino en diversas funciones escolares en el colegio y en la universidad. Su primera obra de teatro fue «La fierecilla domada» y su participación en la serie de televisión «Boson Buddies» le sirvió para dar el salto definitivo al cine con su primera película «Sabe que estás sola» sin que por ello abandonase la pequeña pantalla, en series como «Taxi», «Happy day», «Vacaciones en el mar» y «Family Ties».

Tom hanks puede ser considerado como un actor polifacético, que sabe interpretar por igual la comedia más divertida como el drama más crudo. Desde un primer momento los directores de cine apostaban por sus cualidades como cómico en películas como «Esta casa es una ruina» o «Big» con la que obtuvo su primera nominación al Oscar. Sin embargo supo adentrarse como nadie en el terreno del drama y a día de hoy, aunque sus apariciones cinematográficas son más esporádicas, sigue siendo una de las personalidades más relevantes y con más influencia dentro de la industria cinematográfica.

PUEDES VER EL TRAILER DE FORREST GUMP EN EL CANAL DE CINE DE YOUTUBE «KINESTUBE CINE» Y YA DE PASO, SI QUIERES, SUSCRIBIRTE AL MISMO 😉

Consciente del gancho que las casas encantadas ejercen sobre el gran público, Steven Spielberg llevó a su terreno la modalidad en «Poltergeist»: Fenómenos extraños» (1982), una de las raras ocasiones en las que se responsabilizó del guion (en colaboración con Michael Grais y Mark Victor), adaptando su propio argumento. Su personalísimo universo es reconocible en el retrato de la prototípica familia americana protagonista, en la urbanización donde vive (seña de identidad de la clase media-alta norteamericana), en el cariño con el que trata a los niños y en la plasmación visual de los elementos fantásticos, luces muy potentes, árboles de ramas diabólicas y juguetes que de repente cobran vida propia movidos por las fuerzas del más allá. Hábil como pocos, Spielberg añadió a la trama clásica de casa encantada un fleco de «El exorcista» (1973): un equipo de parapsicólogos y una medium memorable responden punto por punto a las figuras de los sacerdotes exorcistas.

Spielberg supo manejar con maestría los tiempos en esta película, que hoy en días es uno de los filmes de terror de culto más destacados, pasando de lo presuntamente cómico al principio (las sillas que se desplazan solas, como queriendo jugar con los habitantes de la casa) a lo inquietante poco después (la abducción de la pequeña) y finalmente a lo más terrorífico (la lucha contra las fuerzas del mal de la parte final, los cadáveres emergiendo del agua pantanosa de la piscina).

EL ORIGEN DEL MAL EN LA FICCIÓN Y EL SUPUESTO ORIGEN DEL MAL EN LA REALIDAD

En la película el origen de la maldición queda claro cuando nos descubren que la urbanización donde se levanta la casa de la familia está edificada sobre un antiguo cementerio indio, algo que cabrea sobremanera a los difuntos que vuelven del más allá para vengarse. Sin embargo en la realidad, la película (mejor dicho la trilogía) estuvo acompañada de una leyenda negra que perdura hoy en día y que ha acabado convirtiéndose en su seña de identidad. En noviembre de 1982 la joven Dominique Dunne, que interpretaba a la hermana mayor de Carol Anne fue asesinada por su novio, preso de un ataque de celos. Sin embargo lo más inquietante es que la propia actriz había comentado a varios compañeros de reparto que al llegar a casa notaba que sucedían cosas extrañas y que percibía presencias poco amistosas. Unas declaraciones a las que también se sumó la actriz JoBeth Williams, que interpretaba a la madre de la familia. La intérprete ha declarado en repetidas ocasiones que cuando llegaba a su casa encontraba todas las fotos y cuadros que tenía en las paredes del revés o tirados por el suelo. Pero lo más espeluznante fue el secreto que desveló al asegurar que los esqueletos utilizados en la escena de la piscina eran reales, algo que ella no sabía en el momento de la filmación y que ratificó el encargado de los efectos especiales Craig Reardon. Al parecer era mucho más económico utilizar cadáveres reales que falsos y según la leyenda este fue el origen de la maldición en la vida real.

A la muerte de Dominique Dunn le sucedieron las de Will Sampson y Julian Beck. El primero encarnaba al indio chamán que intenta ayudar a la familia. Se da la circunstancia de que Sampson también era chamán en la vida real y se prestó a realizar una serie de conjuros en los estudios donde se grababa la película para limpiarlo de las energías demoniacas. Tras terminar el rodaje, el actor tuvo que someterse a un doble trasplante de corazón y pulmón de manera urgente. Finalmente una serie de complicaciones postoperatorias acabaron con su vida. El actor Craig T. Nelson, que interpretaba al cabeza de familia declaró estar casi seguro de que la intervención del chamán salvó la vida de muchos, aunque también fueron varios los miembros del equipo técnico que fallecieron poco después de terminar de rodar la última película de la trilogía.

En cuanto a Julian Beck, que interpretaba al malvado sacerdote, fue hospitalizado de urgencia al acabar el rodaje de la segunda parte. Se le descubrió un cáncer en estado avanzado que le fue consumiendo, algo que se aprecia claramente a lo largo de la película.

Desde el principio pasaron cosas extrañas en los rodajes, varios miembros del equipo estuvieron a punto de morir asfixiados por el humo que utilizaron, las cosas desaparecían o aparecían en lugares donde no debían de estar, se produjeron incendios cuyas causas nadie supo explicar y para colmo de males el mecanismo animatrónico del payaso que se utilizó para una de las escenas más memorables del filme falló y casi estrangula al actor que hacía de hermano de Carol Anne. Sin embargo lo peor estaría por llegar durante el rodaje de la tercera parte. Heather O’Rourke, que daba vida a Carol Anne se despertó una mañana con fuertes dolores y fue ingresada de urgencia falleciendo pocas horas después con un diagnóstico de estenosis intestinal. Una extraña enfermedad que le sobrevino con tan solo doce años de edad. La tercera parte tuvo que acabarse con una doble de la actriz que salía de espaldas en la escena final. La de Heather fue la última vida que se cobró la supuesta maldición de «Poltergeist».

LA PELÍCULA QUE TOBE HOOPER DIRIGIÓ EN TEORÍA AUNQUE EN LA PRÁCTICA TODO EL MUNDO SABE QUE LA DIRECCIÓN CORRIÓ A CARGO DE SPIELBERG.

Spielberg por aquel entonces estaba dirigiendo «E.T. el extraterrestre» y según las duras normas del sindicato de directores de aquella época un director no podía hacerse cargo de dos proyectos a la vez por lo que Spielberg decidió darle el puesto a Tobe Hooper, un director precedido por el éxito de «La matanza de Texas» (1974). Sin embargo las diferencias entre ambos pronto se hicieron patentes, incluso llegaron a los tribunales. A pesar de todo Spielberg no pudo despedir a Hooper precisamente por las leyes del momento, por lo que todos los que estuvieron en ese set saben que Hooper se limitaba a decir lo de «corten y acción» y Spielberg se dedicó a lo que mejor sabe hacer: dirigir. De hecho el resultado es cien por cien Spielberg y en nada se vislumbra el sello de Hooper acostumbrado a moverse en producciones donde la sangre y las vísceras se esparcen por doquier.

Al margen de a quien corresponda la paternidad de «Poltergeist», la película fue otro taquillazo que se apuntó Steven Spielberg. Las secuelas eran inevitables, cuatro años después llegó «Poltergeist II: El otro lado» (1986) dos años más tarde llegaría «Poltergeist III» (1988), ambas de un impacto menor. En 2015 llegaría el remake de la primera entrega aunque de esta se desconoce maldición alguna, tal vez la única maldición que pesa sobre ella es la falta de originalidad de los creativos de Hollywood al hacer un producto que se aleja mucho del genuino terror que desprende la original.

SI QUIERES SABER MÁS DE LA PELÍCULA PUEDES VISITAR KINESTUBE CINE EN YOUTUBE

Y SI QUIERES VER EL TRAILER DEL REMAKE DE 2015 AQUÍ LO TIENES, AUNQUE SI ERES FAN DE LA ORIGINAL NO TE PIERDES NADA SI TODAVÍA NO LA HAS VISTO

«Pesadilla en Elm Street» tiene el honor de haber revivido el género slasher, tan explotado y manoseado con sagas como «La matanza de Texas», «Viernes 13» y «Halloween», en una época en la que parecía que todo estaba ya inventado en el género. La idea de un personaje capaz de atacar en los sueños, momento en el que todos somos más vulnerables, sedujo a millones de espectadores en todo el mundo, un personaje que acabó convirtiéndose en un referente en el mundo del cine de terror y en in icono pop: Freddy Krueger.

Freddy es un ser diabólico, vengativo y que lleva la maldad en la sangre pero también es un personaje carismático, irónico, inteligente y sarcástico, ingredientes muy novedosos en el cine de terror de aquella época, que acostumbraba a mostrarnos a asesinos en serie que se limitaban a abrir en canal a sus víctimas así sin más. Sin embargo Freddy sabía jugar al gato y al ratón con sus víctimas, era novedoso a la hora de cometer sus crímenes y en ocasiones…incluso resultaba tronchante.

WES CRAVEN: EL PADRE DE LA CRIATURA QUE LE CONVIRTIÓ EN EL MAESTRO DEL TERROR

Wes Craven llegó tarde al mundo del cine, entre otras cosas porque vivió en el seno de una familia muy religiosa que veía eso del séptimo arte como un invento del diablo. Inició su carrera como maestro en un instituto y empezó a tentarle la idea de dirigir cine cuando fundó el cineclub del centro en el que impartía clases. Allí se enamoró de las películas de Fellini y de Buñuel, películas como las que él deseaba realizar. Sin embargo el destino le depararía hacerse un hueco en el mundo del terror de forma accidental. Fue contratado como montador por Sean S. Cunningham, el director de «Viernes 13». Su buen hacer como montador hizo que Cunningham le propusiese escribir algo de terror que fuera barato de realizar y le ofreció la dirección de la película. Wes Craven se puso manos a la obra y de ahí salió «La última casa a la izquierda» (1972), una historia muy explícita sobre la violación y asesinato de dos jóvenes de una dureza tan extrema que incluso provocó motines en algunos de los cines en los que se proyectaba. Sin embargo la película fue todo un éxito de taquilla, algo que se volvería a repetir más tarde cuando se hizo cargo de «Las colinas tienen ojos» (1977), un largometraje en el que una familia que viaja en caravana es atacada por otra que tiene entres sus aficiones zamparse a todo bicho viviente que pase cerca de su guarida.

UN PROYECTO EN EL QUE NADIE CREÍA Y UN RODAJE QUE FUE UNA AUTÉNTICA PESADILLA

Tras dos éxitos en taquilla Wes Craven se tomó un año sabático para escribir el guion de «Pesadilla en Elm Street». Una vez finalizado las grandes productoras lo fueron desechando argumentando que la historia no era creíble, incluso Disney dio su visto bueno siempre y cuando se rebajara la dosis de violencia para convertirla en una película apta para todos los públicos, algo a lo que Craven se negó.

El proyecto caería en manos de Robert Shaye, dueño de New Line Cinema, una distribuidora de cine de terror de serie B que se entusiasmó con el proyecto. EL problema era que nunca habían producido nada y no tenían presupuesto con el que rodar la película. Finalmente Bob Shaye reunió poco más de un millón y medio de dólares hipotecando su casa, pidiendo dinero a amigos y solicitando un crédito con cláusulas abusivas. Por su parte Wes Craven cedió todos los derechos de su personaje lo que le hizo perder el control creativo sobre futuras secuelas y una gran cantidad de dinero en concepto de derechos de autor. Hay que señalar que Craven nunca concibió la película como el principio de una saga y tampoco estuvo de acuerdo con ninguna de sus secuelas ya que a su juicio no respetaban la idea original. Tras superar sus diferencias con Bob Shaye y firmar un acuerdo en el que participaba de forma retroactiva en los beneficios generados por Freddy Krueger, Craven dirigiría «La nueva Pesadilla de Wes Craven» (1984) que aunque naufragó en taquilla sentó las bases de lo que sería el inicio de «Scream»(1996), otra mítica franquicia sobre la cual sí se preocupó, y mucho, de mantener el control creativo en todas las secuelas.

SI QUIERES SABER MÁS DE LA PELÍCULA PUEDES VISITAR EN YOUTUBE KINESTUBE CINE

Y SI QUIERES SABER MUCHO MÁS DE LA SAGA DE PESADILLA EN EL STREET YA PUEDES ADQUIR EN AMAZON EL LIBRO «SAL DE TUS SUEÑOS Y JUEGA CONMIGO»