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La película «Caza de brujas» («After the Hunt»), que acaba de presentarse en el Festival de Venecia 2025, está revolucionando el panorama cinematográfico y las redes sociales. Protagonizada por Julia Roberts y dirigida por Luca Guadagnino, esta producción no es la típica historia que uno espera ver. Más bien, se trata de un thriller cargado de polémica y debates, que toca temas candentes y muy actuales como la cultura de la cancelación y el debate #MeToo, poniendo a todo el mundo a discutir.

Julia Roberts interpreta a Alma, una profesora de filosofía en una prestigiosa universidad, que se ve en medio de una situación complicada: una estudiante, Maggie, acusa a uno de sus amigos más cercanos —también profesor— de abuso sexual. Desde ese punto arranca una historia densa y llena de aristas que no solamente trata de este episodio, sino también de las contradicciones, secretos y dilemas éticos que surgen a su alrededor. No es el típico relato maniqueo de víctimas y villanos; ahí todo se vuelve más complicado, y esa ambigüedad es lo que ha generado mucha expectación.

Según lo comentado por los propios protagonistas y el director, el filme no pretende ser un alegato feminista simple ni un combate entre bandos. Julia Roberts ha señalado que la película quiere servir para reavivar la conversación sobre temas que siguen siendo urgentes, pero desde una mirada mucho más compleja y menos polarizada. El plan es que el público salga pensando, debatiendo, y no con todas las respuestas servidas en bandeja.

Luca Guadagnino, conocido por la increíble estética de sus películas y su interés en explorar la complejidad humana, apuesta una vez más por un relato intenso y provocador. Apuesta por quebrar esa sensación de comodidad del espectador y lo hace mostrando personajes con luces y sombras en su moralidad. El suspense y la tensión emocional están presentes durante toda la película, que incluso resulta incómoda en ciertos momentos, pero precisamente esa incomodidad es uno de sus grandes atractivos.

La atmósfera creada es oscura y enrarecida, con una banda sonora inquietante a cargo de Trent Reznor y Atticus Ross, que ayuda a sumergir al público en el clima denso del film. Además, las interpretaciones de Roberts y su elenco, que incluye a Andrew Garfield y Ayo Edebiri, son destacadas por la crítica, que las califican de profundas y poderosas.

Pero esta película no ha dejado indiferente a nadie. Al estar en plena época donde el feminismo y los debates sobre la cultura de la denuncia están a flor de piel, «Caza de brujas» ha generado una gran polémica. Algunos sectores la ven como un filme problemático, tal vez porque pone sobre la mesa certezas incómodas o porque se atreve a matizar temas sensibles con un enfoque que no todos comparten. Otros, en cambio, la valoran por esta misma valentía y el riesgo que toma al no ofrecer respuestas fáciles ni demonizar personajes.

Esta mezcla entre lo polémico y lo artístico ha logrado que la película se convierta en uno de los títulos más comentados del festival y del año. El interés no sólo viene por el peso y la popularidad de Julia Roberts, sino también porque la historia toca un nervio social actual que no deja de provocar debates.

La película retrata la fragilidad de la ética y el juicio social en una época donde la verdad puede ser fragmentaria y el daño puede venir de múltiples lados. Más que un thriller de acusaciones, es un examen sobre la justicia, el poder y cómo las relaciones humanas se tensan cuando entran en juego secretos y traiciones.

En resumen, «Caza de brujas» es un estreno que lleva el suspense a otro nivel, llevado de la mano de un guion audaz y un equipo de primer nivel. Su llegada promete no solo entretener, sino estimular muchas conversaciones y polémicas durante los próximos meses. Se presenta como una película que desafía la visión simplista de temas complejos, invitando a mirar el feminismo, el poder y el juicio social con una lente más matizada y menos predecible.

Para aquellos atentos a la industria, la película marca otro hito para Luca Guadagnino, reafirmándolo como un director que no teme meterse en terrenos espinosos y llevar el cine a debates culturales que importan. Y para Julia Roberts, supone una vuelta a roles desafiantes y llenos de profundidad, alejados de los clichés y con un gran potencial para impactar.

En definitiva, «Caza de brujas» no es sólo un thriller más, sino un espejo inquietante de estos tiempos complejos. El tipo de película que divide opiniones, enciende el debate y hace que el arte siga cumpliendo su papel: hacernos pensar y sentir, sacudir nuestro confort y motivarnos a dialogar sobre lo difícil. La expectación está más que justificada, y se espera que este título dé mucho que hablar aún después de su estreno oficial.

Paco Encinar

El cine español está de luto tras la temprana pérdida de Verónica Echegui, una de sus actrices más queridas y respetadas. Nacida en Madrid el 16 de junio de 1983, Echegui creció en una familia ajena a la farándula —su padre era ingeniero y su madre abogada— pero desde niña tuvo claro que su vida estaría vinculada al arte dramático. Tras terminar el bachillerato, ingresó en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid y, más tarde, perfeccionó su talento en la Royal Academy of Dramatic Arts de Londres, mientras se ganaba la vida como camarera. Ese temple, mezcla de humildad y entrega, fue un sello que la acompañó durante toda su carrera.

El gran salto a la fama llegó en 2006, cuando Bigas Luna la eligió para encarnar a Juani en “Yo soy la Juani”. La película fue un fenómeno y Echegui se transformó en un icono generacional, mostrando una fuerza y frescura inusitadas en el cine nacional. Gracias a este papel, recibió su primera nominación al Goya como mejor actriz revelación y se abrió paso en una industria que, desde entonces, no dejó de ovacionarla.

A esta interpretación le siguieron proyectos tan diversos como “El patio de mi cárcel” (2008), con la que volvió a ser nominada al Goya, “Katmandú, un espejo en el cielo” (2012), “La gran familia española” (2013) o “Me estás matando, Susana” (2016), entre otros. En “El patio de mi cárcel” trabajó bajo la dirección de Belén Macías y junto a Pedro Almodóvar en la producción, consolidando su perfil como actriz polifacética y comprometida con los personajes femeninos complejos.

Verónica no sólo brilló ante las cámaras: su talento traspasó fronteras con incursiones internacionales como “Bunny and the Bull” (2009) y “La fría luz del día” (2012), donde compartió escenas con Bruce Willis. Esta proyección internacional le valió el reconocimiento de la European Film Promotion como “Shooting Star” del cine europeo en 2009.

En televisión, su carrera fue igualmente destacada. Tuvo papeles en series como “Fortitude”, “Trust”, “Intimidad”, “Apaches” y, más recientemente, “A muerte” (2025), donde su carisma traspasó la pantalla y conquistó nuevas audiencias. El teatro también fue un refugio creativo; debutó en 2005 con “Infierno” de Tomaz Pandur y regresó a los escenarios con “El amante” de Pinter (2018) y “La Strada” de Fellini (2019).

Además, Echegui fue reconocida por su inquietud y sensibilidad en la dirección. En 2020 debutó como realizadora con el cortometraje “Tótem Loba”, basado en una experiencia personal. La pieza, aclamada por su enfoque feminista, recibió el Goya al Mejor Cortometraje de Ficción en 2022 y posicionó a Verónica como una voz creativa y poderosa también detrás de las cámaras.

A lo largo de su carrera, acumuló numerosos premios —Gaudí, Feroz, Sant Jordi—, y colaboró con cineastas como Icíar Bollaín, Daniel Sánchez Arévalo o María Ripoll. Algunas de sus películas más recordadas incluyen “No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas” (2016), “Seis puntos sobre Emma”, “Orígenes secretos” y la reciente “Yo no soy esa” (2024).

En paralelo a su éxito profesional, su vida personal mantuvo cierta discreción. Durante trece años, compartió relación con el actor Álex García, con quien coincidió en varios proyectos y de quien se separó en 2023.

El legado de Verónica Echegui va más allá de una prometedora carrera truncada. Su entrega, autenticidad y pasión quedarán grabadas en la memoria del cine español y en el corazón del público que la vio crecer, conmover y desafiar estereotipos. Su voz y su mirada seguirán inspirando a generaciones de intérpretes y directores. Verónica Echegui fue, y será por siempre, mucho más que una actriz: fue creadora, icono y embajadora de la emoción en estado puro.

Paco Encinar

En algún momento de nuestra vida cinéfila escuchamos el grito imposible de una tripulación perdida en el espacio profundo. Era 1979, una época en la que el terror y la ciencia ficción necesitaban un revulsivo, y Ridley Scott nos lo brindó con “Alien: el octavo pasajero”. El xenomorfo se convirtió en el monstruo moderno definitivo, su silueta biomecánica tejida por Giger, la pesadilla por antonomasia de un futuro tecnológico. Pero hasta ahora, esa amenaza siempre fue remota, espacial, ajena a la cotidiana realidad terrestre. Eso acaba de cambiar: 2025 es el año donde el Alien pisa la superficie del planeta en una de las apuestas televisivas más ambiciosas del género, “Alien: Planeta Tierra”.

El salto a la pequeña pantalla no es casual ni oportunista. FX y Disney+, con Noah Hawley (el brillante demiurgo de “Fargo” y “Legion”) como showrunner, han elegido el momento consciente de que el universo Alien no solo sobrevive gracias a sus películas: su legado está hecho de cómics, videojuegos y, ahora sí, televisión. El proyecto, que lleva gestándose varios años y que estuvo a punto de naufragar por las huelgas de guionistas, arranca como precuela directa de los eventos originales, situándonos en el año 2120, apenas dos años antes de la odisea de la Nostromo y Ellen Ripley. Ese dato cronológico no es menor: establece un puente entre las precuelas de Scott (“Prometheus”, “Covenant”) y el horror clásico de la Nostromo, pero lo hace desde una perspectiva radicalmente distinta.

Una distopía reconocible

Bienvenidos a una Tierra devorada por el capitalismo corporativo, gobernada por cinco megacorporaciones: Weyland-Yutani, Prodigy, Lynch, Dynamic y Threshold. No somos testigos de un mundo utópico, sino de una civilización donde lo biológico, lo sintético y lo híbrido conviven, se enfrentan y negocian su futuro. Si alguna vez el espacio era el “mar” inexplorado de la ciencia ficción, ahora el peligro está en casa, en las calles luminosas y densas de una ciudad inspirada, según su propio creador, más en el ciberpunk “Blade Runner” que en la nostalgia de nave industrial.

Es en este entorno donde hace su aparición la protagonista, Wendy (Sydney Chandler), una metahumana: su mente humana ha sido transferida a un cuerpo sintético. Wendy no es la heroína tradicional, sino una bisagra narrativa entre la peripecia tecnológica y la pregunta existencial: ¿en qué momento una máquina deja de serlo? ¿En qué momento la conciencia supera a la programación? Estas preguntas, lejos de alejarse del eje central del horror xenomorfo, lo expanden: ahora no solo tememos a la criatura, sino también a la humanidad (o inhumanidad) de sus posibles contrincantes.

El detonante de la serie es clásico: una nave de Weyland-Yutani se estrella en Ciudad Prodigy. Cuando acuden a investigar, tanto soldados como científicos terminan enfrentándose al “otro” definitivo: xenomorfos en la Tierra, por primera vez. Es aquí donde Hawley y su equipo brillante despliegan toda la tensión, el suspense y la brutalidad que hicieron mítica a la franquicia, pero lo hacen con otra cadencia. No se trata solo de sobrevivir; se trata de decidir el destino de la especie, en un mundo corrompido por la inmortalidad prometida por los híbridos y la despiadada lógica de las corporaciones.

La serie está impregnada de referentes: tanto Hawley como la prensa internacional han apuntado sin tapujos a “Blade Runner” (el eterno dilema máquina-humano, los paisajes urbanos densos y lluviosos, la carrera por la inmortalidad) como a las propias raíces del terror clásico, ese en el que nunca sabes bien si el monstruo está fuera o dentro de ti. La atmósfera mezcla tecnología, crítica social y terror puro, siguiendo el rastro de Denis Villeneuve no solo con su “Blade Runner 2049”, sino también con la épica íntima y sofocante de “Dune” o “La llegada”.

Un reparto coral y muchas preguntas

El casting es otro de los fuertes de la serie: Sydney Chandler encarna a Wendy, mientras que Timothy Olyphant aparece como ese mentor ambiguo (Kirsh) que, lejos de parecerse a los villanos corporativos de anteriores entregas, aporta matices de humanidad y peligro. Completan el reparto Alex Lawther, Essie Davis, Samuel Blenkin y Adarsh Gourav, figuras que equilibran lo conocido y lo novedoso y garantizan un viaje emocional intenso.

Pero lo más interesante de “Alien: Planeta Tierra” es su promesa de ir mucho más allá del “hay un alien, huye”. La serie asume que ocho episodios (y ojalá más) permiten abordar cuestiones éticas, emociones complejas y el inevitable choque entre la supervivencia y el progreso. Si el cine es sprint, la televisión es fondo: Hawley lo sabe, apostando por sutiles giros de guion, subtramas de espionaje corporativo y dilemas que, más allá de la acción, interrogan nuestra propia época.

La bestia sigue acechando

En su emisión, la serie ha desatado análisis y entusiasmos: la crítica valora la manera en que los xenomorfos han sido “reimaginados” sin perder el aura letal, y el público celebra la fusión entre acción y reflexión. No falta el terror físico —el sudor frio, los ataques sorpresivos, la omnipresente amenaza de los xenos—, pero la diferencia clave es que ahora, en la Tierra, ningún refugio es seguro. El mundo abierto multiplica el peligro y el espectáculo, pero también la angustia psicológica.

Con “Alien: Planeta Tierra”, la franquicia se reinventa y confirma lo que sospechábamos: el Alien nunca fue solo un monstruo; siempre fue el espejo más perverso de nuestra humanidad. Ahora ese espejo nos mira desde la televisión y la pesadilla, a diferencia de en el espacio, sí podrá oír nuestros gritos.

Paco Encinar

El terror tiene nombre propio en el séptimo arte, y ese es “El Conjuro”. En el umbral del estreno de su esperadísimo cierre, “El Conjuro 4: Últimos Ritos”, el aire está cargado de suspense, nostalgia y esa inquietante familiaridad que solo la saga ha sabido cultivar. Este es mucho más que el lanzamiento de una película: es el desenlace de una leyenda moderna del cine de horror.

El ritual de la espera

Desde su debut en 2013, “El Conjuro” se impuso como fenómeno cultural. James Wan y su equipo trajeron de vuelta el horror clásico, el que se respira en las sombras y se siente en la nuca, revalorizando ese miedo primigenio a lo inexplicable. Ahora, a solo días del 5 de septiembre de 2025, los fans —me incluyo— miramos hacia la oscuridad con una mezcla de nerviosismo y entusiasmo. Porque esta cuarta entrega, bautizada como “Últimos Ritos”, tiene sabor a despedida, a rito de paso para Ed y Lorraine Warren, los inolvidables investigadores de lo sobrenatural encarnados por Patrick Wilson y Vera Farmiga.

La expectativa es gigantesca. No se estrena solo una película, sino el último acto de los Warren como protagonistas. El cine de horror no será igual tras esto. ¿Podremos cerrar el círculo con ellos? ¿O el miedo verdadero es que nunca abandonarán del todo nuestras pesadillas?

Una saga maldita… de éxito

La saga principal de “El Conjuro” ha triunfado por una receta que parece simple, pero es delirantemente difícil de replicar: historias basadas en supuestos hechos reales, personajes profundamente humanos, atmósferas cargadas de amenaza y una realización técnica impecable. Desde la primera entrega, el universo conjurador se ha expandido: “Annabelle”, “La Monja”, “La Llorona”… pero la médula siempre han sido los Warren, su fe puesta a prueba, su amor como faro entre demonios.

En cada nueva entrega, los cineastas han escalado los sustos pero también la carga emocional. Esta conexión emocional es, quizá, el ingrediente más poderoso. ¿Quién no ha sufrido por Lorraine en una visión? ¿Quién no ha contenido el aliento cuando Ed desafía al mismísimo demonio? En la cuarta película, la historia no solo remueve la superficie del horror, sino también el legado personal que dejan atrás los Warren.

El caso Smurl y el aura del último ritual

La cuarta entrega nos traslada a 1986, enfrentando a los Warren con el que se anunciaba como uno de los casos más espeluznantes de su carrera: el de la familia Smurl, acosada en su hogar de Pensilvania por fuerzas que nadie logró apaciguar del todo en la vida real. Aquí hay mucho morbo, pero también autenticidad, porque el caso está rodeado de testimonios, polémica y misterio sin resolver.

Michael Chaves retoma la batuta de director, y David Leslie Johnson-McGoldrick firma el guion. No hay dudas de que pondrán toda la carne sobrenatural en el asador. Los tráilers —intensamente sombríos y prometedores— solo han encendido las ganas: imágenes sombrías, apariciones fugaces, gritos ahogados y esa atmósfera que anticipa el mal acechando tras la puerta.

La maquinaria promocional juega con el contraste entre la amenaza de la entidad y la vulnerabilidad de los Warren, especialmente tras el retiro de Ed por problemas de salud. Judy Warren y Tony Spera tendrán protagonismo, sumando nuevas inquietudes familiares a la tormenta sobrenatural.

Lo que se espera… y lo que se teme

¿Será de verdad el final? Eso dicen quienes han seguido el rodaje y la campaña oficial, aunque el universo expandido de “El Conjuro” (con Annabelle y La Monja) probablemente sobrevivirá. Pero lo que los seguidores queremos ver es una conclusión digna para la pareja Warren: un cierre emotivo, con heridas abiertas y la ambigüedad de lo inexplicable.

Personalmente, tengo las expectativas puestas en ese equilibrio tan difícil: terror genuino y una despedida que no sea solo ruido, sino eco perdurable. No busco que todo quede resuelto —porque el terror, como la fe, siempre deja dudas—, sino que los Warren merecen un adiós que los consagre como leyenda.

Esta crónica no intenta contarte la película. No quiero quitarte ni un solo grito de pánico, ni un salto en la butaca. Solo comparto la emoción colectiva de ser testigos del último rito de los Warren. ¿Seremos capaces de afrontarlo? El 5 de septiembre, las salas de cine (y nuestras almas) lo descubrirán. Porque si algo hemos aprendido de “El Conjuro” es que el verdadero miedo nunca muere… solo espera el momento perfecto para regresar.

Paco Encinar

Fue mucho más que músculos, explosiones y frases icónicas de los años 80. La rivalidad entre Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone, dos leyendas del cine de acción, encarnó una era dorada de Hollywood y una de las historias más jugosas y humanas que ha dado el séptimo arte. Sus carreras estuvieron marcadas no solo por éxitos taquilleros y cuerpos esculpidos, sino por una competencia feroz y, finalmente, una amistad inquebrantable. Esta es su crónica.

Los inicios guionizados por el destino

La chispa se encendió en 1977 durante una entrega de los Globos de Oro. Arnold, con el estreno de “Stay Hungry”, todavía era una promesa inmigrante, pero ganó el premio a Nueva Estrella del Año. Stallone, ese año ya un fenómeno por “Rocky”, perdió en varias nominaciones y se sintió herido por las carcajadas de su rival austríaco. Dicen que le arrojó un tazón de flores a Arnold, dando inicio a una enemistad tan real como legendaria, nacida entre focos y alfombras rojas.

El auge de los titanes

Avanzada la década, ambos se convirtieron en reyes del box office, disputándose quién mataba a más rivales ficticios o sostenía el arma más grande. Schwarzenegger parecía inhumano en “Terminator” o “Depredador”, mientras Stallone, como “Rambo” o “Cobra”, hacía temblar a sus adversarios a fuerza de pura testosterona. En entrevistas, no dudaban en lanzarse pullas: “Yo hacía películas exitosas, él solo imitaba”; “Mis músculos son reales, a diferencia de algunos”.

La competencia rozó tintes infantiloides. Schwarzenegger, astuto, fingió interés por la pésima comedia “Stop! Or My Mom Will Shoot”. Stallone no quiso quedarse atrás y, cegado por el afán de superarlo, aceptó el protagónico… cayendo directo en la trampa: fue uno de los mayores fracasos de su carrera. En las películas, los guiños eran constantes: Arnold parodia a Rambo en “Twins”; Stallone golpea a un imitador de Schwarzenegger en “Tango & Cash”.

Fuera de cámaras: amoríos y negocios

La competencia no se limitó a la pantalla. Cuando Brigitte Nielsen, coprotagonista de “Red Sonja” con Schwarzenegger, terminó saliendo con Stallone y posteriormente casándose con él, la prensa alimentó aún más la leyenda de su rivalidad. A pesar de todo, por mucho tiempo ambos parecían decididos a no cruzar caminos profesionales… ni personales.

Pero el destino tenía otros planes: la franquicia de restaurantes Planet Hollywood, fundada junto a Bruce Willis en los 90, obligó a Arnold y Sly a reencontrarse una y otra vez. Acostumbrados a saludarse con ceños fruncidos, tuvieron que negociar, asistir juntos a eventos y, poco a poco, aproximarse. La competitividad dio paso a la complicidad, y la rivalidad se transformó en respeto.

La redención y una amistad forjada en acero

Ya maduros, ambos reconocieron que el otro había sido una grandísima motivación profesional. “No hay Stallone sin Schwarzenegger, ni Schwarzenegger sin Stallone”, sentenció Sly. Compartieron set en la exitosa saga “The Expendables” y en “Escape Plan”, deleitando a una generación que soñaba con verlos juntos.

Sus entrevistas de los últimos años son un ejercicio de nostalgia repleta de sonrisas cómplices y chistes sobre aquel pasado bronco: “El mejor mérito de la rivalidad fue empujarnos a no conformarnos”, confesó Arnold. “Nos divertimos mucho, aunque entonces quisimos matarnos”, bromeó Stallone.

El legado de una rivalidad mítica

Hoy, la historia de Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone ya no es solo la del “héroe” y el “rival”, sino la de dos hombres hechos a sí mismos, que aprendieron a admirar y valorar a quien alguna vez consideraron enemigo. Su enemistad catapultó sus logros pero, sobre todo, nos enseñó que competir puede sacar lo mejor de nosotros… y que incluso los adversarios más duros pueden acabar tan unidos como hermanos.

Así que, si alguna vez ves sus fotos actuales, brindando juntos o compartiendo anécdotas, recuerda: las leyendas del cine de acción también pueden escribir, a golpe de músculo y corazón, la más épica de las reconciliaciones.

Paco Encinar

Si eres un amante de los gatos o simplemente buscas una experiencia divertida y entrañable, el Cat Video Fest es uno de esos eventos que no puedes perderte. Más que un simple festival de videos, Cat Video Fest se ha convertido en un fenómeno internacional que une a miles de personas en torno a la alegría que provocan nuestros amigos felinos.

El Cat Video Fest es un festival anual que presenta una compilación de los videos de gatos más divertidos, tiernos y sorprendentes, cuidadosamente seleccionados de entre miles de candidatos enviados por fanáticos de los gatos de todo el mundo. La película resultante tiene una duración aproximada de entre 73 y 80 minutos, un verdadero maratón de ternura y risas que se proyecta exclusivamente en salas de cine independientes de varios países, incluyendo Estados Unidos, Canadá, Australia y Nueva Zelanda.

Lo que hace especial a este festival no es solo la calidad y variedad de los videos, sino el propósito detrás del evento. Cada entrada que se vende contribuye directamente a organizaciones y refugios locales dedicados a ayudar a gatos sin hogar y en situación de necesidad. Es un motivo más para disfrutar del evento en familia, sabiendo que la diversión también se traduce en un impacto positivo para la comunidad felina.

Durante la proyección, los espectadores pueden ver a los gatos en todas sus facetas: desde los más graciosos intentando meter la cabeza en cajas imposibles hasta aquellos que exhiben sus habilidades acrobáticas o simplemente disfrutan de momentos tiernos y entrañables. Además, la selección incluye actuaciones cómicas que sacan sonrisas a niños y adultos por igual, generando un ambiente festivo y cálido. El evento celebra no solo a los gatos, sino también la cultura de “cat lover” que reúne a personas de todas las edades con una pasión común.

Una característica interesante del Cat Video Fest es su accesibilidad. Al proyectarse en cines independientes, brinda una experiencia comunitaria y diferente a la típica sesión de videos en casa. Se crea un espacio para socializar con otros amantes de los gatos, compartir risas y anécdotas, y participar en actividades relacionadas con el evento, haciendo que la jornada sea aún más especial.

En resumen, el Cat Video Fest representa mucho más que un espectáculo audiovisual: es una celebración de la ternura, la alegría y la solidaridad. Es el lugar donde los gatos se convierten en protagonistas y donde cada espectador encuentra un motivo para sonreír, emocionarse y, sobre todo, colaborar con una causa noble. Si aún no has tenido la oportunidad de vivir esta experiencia, te animo a buscar las fechas y sedes en tu ciudad para no perderte el próximo festival. ¡Prepárate para una dosis de felinidad que alegrará tu corazón!

Paco Encinar