KINESTUBE CINE

Todo comenzó en 1975, cuando un joven director llamado Steven Spielberg lanzó al mundo una obra que marcaría un antes y un después en la historia del cine: Tiburón. Con un grito de “¡Corten!” que resonó en las salas, Spielberg no solo presentó un thriller que mantuvo a la audiencia al borde de sus asientos, sino que también estableció un nuevo paradigma en la industria cinematográfica. La película se convirtió en el primer gran blockbuster, arrasando en taquilla y llevándose tres premios Oscar, mientras que millones de espectadores se apiñaban en las salas de cine deseando ver a un tiburón devorador de bañistas en pantalla grande. Esta insaciable sed por las historias de tiburones fue el punto de partida para el surgimiento del género conocido como “Sharksploitation”.

A partir del 4 de octubre, los aficionados al cine tendrán la oportunidad de adentrarse en esta peculiar faceta del séptimo arte gracias al documental Sharksploitation, que se estrena en Movistar Plus+. El documental hace un recorrido por la historia del cine de tiburones, explorando no solo su evolución, sino también el fenómeno cultural que lo rodea. Se remontan a sus orígenes en 1932 con Pasto de tiburones, de Howard Hawks, considerada la pionera del género. Sin embargo, durante las tres décadas siguientes, la producción de películas de tiburones fue escasa, con solo seis títulos adicionales. Pero fue a partir de 1975, coincidiendo con el estreno de Tiburón, que el cine de tiburones comenzó a emerger como un género inconfundible y a ganar popularidad.

En 1976, se estrenaron tres largometrajes más, entre ellos, un telefilme que dejó mucho que desear, pero que, sin embargo, añadía carne al género. Desde entonces, la producción no ha dejado de crecer, con picos memorables, como el de 2021, cuando se estrenaron 24 títulos sobre tiburones. Así, el documental de Movistar Plus+ diagnostica esta fiebre, abriendo sus “dentudas fauces” para reírse a placer de las peculiaridades y excesos que caracterizan a este tipo de cine. Con un tono notablemente cómico, Sharksploitation examina el impacto de Tiburón, que no solo revolucionó la forma de hacer cine en Hollywood, sino que también demostró que las salas podían llenarse hasta el límite para ver a una bestia marina devorando bañistas.

El impacto de Tiburón fue tal que, en Regreso al futuro II, Robert Zemeckis bromeó sobre el estreno de la decimonovena entrega de la franquicia. Aunque la saga se hundió con su cuarta entrega, la primera aún mantenía a flote a las siguientes. Sin embargo, la evolución del género no se detuvo. Muchos títulos tomaron el testigo, y Sharksploitation se siente como un cálido abrazo a estas películas, resaltando su esfuerzo por mantenerse relevantes en un panorama cinematográfico tan cambiante.

Entre estos títulos se encuentra la saga más desquiciada de los últimos años: Sharknado. Esta obra, creada por Anthony C. Ferrante, comenzó su andanza en 2013 y alcanzó su pico de popularidad en 2015, cuando su tercera entrega fue nominada a los premios Saturn. Sharknado no solo se convirtió en un fenómeno de culto, sino que también atrajo a una legión de seguidores que, ya sea con ironía o devoción, esperan ansiosos que Ferrante retome su obra maestra.

La llegada de Sharksploitation a Movistar Plus+ promete ser un evento que no solo ofrecerá una mirada divertida y crítica sobre el cine de tiburones, sino que también invitará a reflexionar sobre la locura del público por este género. A través de anécdotas, clips y un análisis detallado, el documental logra capturar la esencia de un fenómeno que ha dejado una huella indeleble en el imaginario colectivo. Al final, Sharksploitation se convierte en un homenaje a la cultura de los tiburones en el cine, y al mismo tiempo, en una celebración de lo absurdo y lo divertido que puede ofrecer este extraño rincón del séptimo arte.

En un momento en que el cine busca nuevas formas de atraer al público, este documental no solo será un recordatorio de lo que una vez fue un simple entretenimiento, sino también un testimonio de cómo los tiburones, esos depredadores marinos, han conseguido nadar a través de las corrientes del tiempo y la cultura pop, convirtiéndose en íconos del cine contemporáneo. Con su estreno, la historia del cine de tiburones cobra nueva vida, y nos recuerda que, aunque a veces el cine puede ser una simple diversión, también puede ser un reflejo de nuestras propias locuras y pasiones.

Así que, si te sientes curioso por la historia de las olas y los dientes afilados, no te pierdas Sharksploitation y sumérgete en el océano de locuras y risas que ofrece este fascinante género. ¡El espectáculo está a punto de comenzar!

Paco Encinar

La cuenta regresiva ha comenzado. El próximo 18 de octubre, el mundo tendrá la oportunidad de ver «La habitación de al lado», el primer largometraje en inglés de Pedro Almodóvar, que promete ser una joya del cine contemporáneo. Con la etiqueta de «primer largometraje internacional» colgando de su cuello, esta película no solo es un nuevo proyecto para el maestro manchego, sino que también presenta un fascinante elenco encabezado por dos actrices de Oscar: Julianne Moore y Tilda Swinton. ¿Qué más se puede pedir?

Después de llevar a cabo mediometrajes como «La voz humana» y «Extraña forma de vida», Almodóvar finalmente ha decidido dar el salto a un formato más largo con una narrativa que sigue la historia de una madre y una hija separadas por malentendidos y dolor. La película, basada en la novela «Cuál es tu tormento» de Sigrid Nunez, aborda temas profundos como la guerra, la amistad y el placer como resistencia ante el horror. Esta mezcla de tragedia y dulzura es lo que hace que la obra de Almodóvar sea única.

Un festival de Venecia inolvidable

La emoción por la película se disparó después de que Almodóvar conquistara el León de Oro en el Festival de Venecia, un hito en la historia del cine español, ya que es la primera vez que una película española se lleva este prestigioso galardón. En su discurso de agradecimiento, el director reflexionó sobre la libertad del ser humano, un tema recurrente en su filmografía y que, sin duda, estará presente en «La habitación de al lado».

Además de este prestigioso reconocimiento, la película también será presentada en otros importantes festivales, como el Festival de Cine de Nueva York, el de Toronto y el de San Sebastián. Con cada nuevo paso en su recorrido, la anticipación por su estreno sigue en aumento.

Un elenco estelar

La película cuenta con un elenco estelar que incluye a Tilda Swinton como Martha, una reportera de guerra; Julianne Moore como Ingrid, amiga de la madre y depositaria de su dolor; y John Turturro, quien también aporta su talento al filme. Junto a ellos, encontramos a Alessandro Nivola, Juan Diego Botto, Raúl Arévalo, Melina Matthews y Victoria Luengo. Este conjunto de actores no solo garantiza actuaciones excepcionales, sino que también aporta una diversidad de experiencias que enriquecerán la narrativa.

Es interesante pensar que Tilda Swinton, tras su experiencia en «La voz humana», haya querido colaborar de nuevo con el director. No podemos evitar imaginarla disfrutando de una escapada turística por Cuenca mientras rodaba, una combinación perfecta de trabajo y placer.

Sinopsis

La historia de «La habitación de al lado» gira en torno a una madre muy imperfecta y una hija rencorosa, separadas por un gran malentendido. Martha (Tilda Swinton) es una reportera de guerra cuya vida está marcada por las experiencias traumáticas de su profesión. Ingrid (Julianne Moore), una novelista de autoficción y amiga de Martha, se convierte en el punto de conexión entre madre e hija, mediando el dolor y la amargura que ambas sienten. La película explora la crueldad de las guerras, las diferentes maneras en que las dos mujeres se acercan a la realidad a través de la escritura, y también toca temas como la muerte, la amistad y el placer sexual como formas de resistencia ante el horror. En un entorno idílico en plena reserva natural de New England, donde los trinos de los pájaros despiertan a las protagonistas, se desarrolla una trama que promete ser tanto desgarradora como tierna.

Expectativas y críticas

Las primeras imágenes y el teaser tráiler de «La habitación de al lado» ya han comenzado a circular, y la anticipación crece. La crítica ha comenzado a asomarse a esta nueva obra, y las expectativas están por las nubes. El cine de Almodóvar siempre ha sido un festín visual y emocional, y esta vez no parece que será diferente. La historia se presenta como un delicado equilibrio entre lo brutal y lo sublime, un sello distintivo del director.

Se habla de la relación tensa entre madre e hija, con Ingrid como un hilo conductor entre dos mundos muy distintos. La guerra, el dolor y la escritura se entrelazan en una narrativa que promete ser tanto desgarradora como tierna. La influencia de la naturaleza y la quietud de New England aportarán un aire de frescura y reflexión a lo que podría ser una dura exploración de la condición humana.

Un nuevo capítulo para Almodóvar

Con «La habitación de al lado», Pedro Almodóvar no solo sigue abriendo caminos en el cine internacional, sino que también demuestra que puede contar historias que resuenan en un nivel global. Su capacidad para retratar la complejidad de las relaciones humanas con una sensibilidad única es lo que le ha ganado un lugar especial en el corazón de los amantes del cine. Así que, mientras el reloj cuenta los días para su estreno, podemos prepararnos para sumergirnos en un nuevo capítulo del universo almodovariano.

Esta película, que está destinada a ser un hito en su carrera, será un deleite para los fans y una oportunidad para que nuevos espectadores se enamoren del estilo y la profundidad que solo Pedro Almodóvar puede ofrecer. Así que, abróchense los cinturones, porque «La habitación de al lado» promete ser un viaje inolvidable que no querrán perderse. ¡La cita está hecha!

El payaso asesino de Gotham ha vuelto, pero esta vez no lo hace solo. «Joker: Folie à Deux», dirigida por Todd Phillips, retoma la compleja historia de Arthur Fleck, interpretado magistralmente por Joaquin Phoenix, quien ya había ganado el Oscar por su interpretación del personaje en la primera entrega de 2019. Esta secuela, una de las más esperadas, no solo nos sumerge nuevamente en la psique del infame Joker, sino que lo acompaña con una explosiva incorporación: Harley Quinn, encarnada por la siempre sorprendente Lady Gaga.

Una nueva perspectiva desde el caos

Phillips nos había dejado con una poderosa imagen al final de «Joker» (2019): Arthur Fleck, transformado en el símbolo de una revuelta social, bailando sobre un coche mientras Gotham arde a su alrededor. La locura personal de Fleck se había convertido en una locura colectiva, y esa transición fue lo que otorgó a la película su profundidad. «Folie à Deux» retoma esa narrativa, pero esta vez nos muestra algo distinto: una locura compartida. El título, que hace referencia al trastorno psiquiátrico en el que dos personas comparten un delirio, es un reflejo preciso de lo que ofrece esta secuela: una sinergia insana entre el Joker y su inseparable Harley.

Lady Gaga, quien había demostrado su capacidad actoral en «A Star is Born», sorprende al adentrarse en la piel de Harley Quinn, un personaje icónico en la mitología del Joker. No obstante, su Harley no es la figura caricaturesca que hemos visto en otras adaptaciones. Aquí, es una psiquiatra que, fascinada por la mente de Arthur Fleck, termina cayendo en su red de locura. La química entre Phoenix y Gaga es palpable, en parte debido a la capacidad de ambos para encarnar personajes al borde de la cordura, pero también gracias a la dirección de Phillips, quien nuevamente se adentra en las profundidades de la fragilidad humana.

Un musical oscuro e inesperado

Uno de los giros más atrevidos de «Folie à Deux» es su incursión en el género musical. Si bien la idea de que una película del Joker se convierta en un musical puede sonar descabellada, Phillips logra integrar los números musicales de manera orgánica en la trama, usando las canciones para explorar los delirios y la relación enfermiza entre sus protagonistas. Las secuencias musicales no son brillantes ni coloridas al estilo de los musicales convencionales. Al contrario, están cargadas de una tensión sombría que refleja el deterioro mental de los personajes. El uso de la música actúa como un canal más para transmitir la desconexión de ambos protagonistas con la realidad.

Es imposible no destacar las interpretaciones vocales de Lady Gaga, que aporta una nueva dimensión a su Harley Quinn a través de la música. Sus canciones, cargadas de emoción y oscuridad, se entrelazan con los momentos más intensos de la película. Estas escenas musicales ofrecen un respiro momentáneo de la violencia, pero al mismo tiempo, subrayan el descenso de los personajes a su propio infierno personal. El enfoque musical se convierte así en un puente para que el público entre en la psique de los personajes, una herramienta que, lejos de desentonar, amplifica la experiencia cinematográfica.

El descenso a la locura: dos caras del mismo espejo

Uno de los mayores logros de la película es la forma en que presenta la relación entre el Joker y Harley como un espejo de la decadencia social que Gotham ya había revelado en la primera entrega. Si «Joker» (2019) era un grito de auxilio desde lo más bajo de la sociedad, «Folie à Deux» es la representación del colapso total de esa misma estructura. Arthur Fleck se convierte, junto a Harley, en una manifestación del fracaso de las instituciones, no solo de Gotham, sino de cualquier sociedad que margina y oprime a los más vulnerables.

El tema de la locura es tratado aquí con mayor profundidad. Si bien en la primera película Fleck se desmorona de manera individual, en esta segunda parte vemos cómo su locura encuentra eco en otra persona, lo que hace que el caos sea aún más potente. La interacción entre ambos personajes nos muestra cómo la locura puede ser contagiosa, un tema que resuena fuertemente en tiempos donde la ansiedad social, las divisiones y la violencia son comunes en muchas partes del mundo. Phillips parece advertirnos que, cuando dos mentes frágiles se encuentran, pueden desencadenar un efecto multiplicador devastador.

La interpretación de Phoenix es nuevamente impecable. Su Joker sigue siendo un hombre quebrado, pero en «Folie à Deux» ha encontrado un propósito, una compañera de viaje que lo entiende en su dolor y lo acompaña en su caos. Lady Gaga, por su parte, ofrece una actuación memorable que equilibra la vulnerabilidad y la psicosis. Su Harley Quinn es mucho más que una secuaz del Joker; es un personaje con sus propias heridas y traumas, que encuentra en Arthur Fleck un reflejo de su propia locura. Juntos, forman una pareja tan trágica como aterradora.

Una Gotham más oscura que nunca

La ambientación de la película no se queda atrás. Gotham, la ciudad que sirve de telón de fondo para esta historia de locura y violencia, sigue siendo una presencia asfixiante. A través de una fotografía desaturada y opresiva, la ciudad parece una extensión del deterioro mental de sus habitantes. Es una urbe donde la esperanza se ha desvanecido, un personaje más que acompaña al Joker y Harley en su espiral destructiva.

La música, a cargo nuevamente de Hildur Guðnadóttir, es un elemento clave en la atmósfera opresiva de la película. Los tonos sombríos y las melodías inquietantes complementan a la perfección la tensión que permea cada escena, haciendo que el espectador se sienta constantemente al borde del abismo junto a los personajes.

Un caos perfectamente orquestado

«Joker: Folie à Deux» no es solo una secuela; es una evolución. Mientras que la primera película se centraba en el viaje de un hombre hacia la locura, esta nos muestra el poder destructivo de esa locura cuando se encuentra con un igual. Joaquin Phoenix y Lady Gaga ofrecen actuaciones que se quedarán en la memoria del espectador mucho después de que los créditos hayan terminado. Todd Phillips ha logrado hacer algo que parecía imposible: superar las expectativas y llevar al Joker a un nuevo nivel de complejidad emocional y narrativa.

«Folie à Deux» no es una película fácil de digerir. Es oscura, perturbadora y, a veces, incómoda de ver. Pero al igual que su predecesora, es una obra necesaria que, a través de la locura de sus protagonistas, nos obliga a mirarnos en el espejo y preguntarnos qué tan lejos estamos de caer en ese mismo abismo.

Crónica: La desgarradora historia de los hermanos Menéndez

La irrupción de «Monstruos» en Netflix ha desenterrado una vez más la fascinación del público por uno de los crímenes más notorios de la historia de Estados Unidos: el asesinato de los millonarios José y Kitty Menéndez a manos de sus propios hijos, Lyle y Erik. Esta serie, protagonizada por un soberbio Javier Bardem, profundiza en las oscuras aristas de una historia que, desde su aparición en los titulares en los 90, no ha dejado de conmover y dividir opiniones.

El caso de los hermanos Menéndez, aunque ampliamente cubierto por los medios en su momento, sigue siendo objeto de fascinación. ¿Qué puede llevar a dos jóvenes, criados en la opulencia de Beverly Hills, a cometer un crimen tan brutal? La serie no solo se propone responder a esta pregunta, sino también mostrar las profundas heridas que marcaron las vidas de Lyle y Erik, arrojando luz sobre las circunstancias que los llevaron al parricidio.

Los primeros destellos: un crimen escandaloso

Era la noche del 20 de agosto de 1989 cuando Lyle y Erik Menéndez irrumpieron en la sala donde descansaban sus padres, armados con escopetas. José Menéndez, un magnate del entretenimiento de origen cubano, y Kitty, su esposa, fueron asesinados con una brutalidad que estremeció a toda la nación. Los disparos resonaron en la mansión familiar en Beverly Hills, pero lo que vino después fue lo que verdaderamente conmocionó al público.

Tras el asesinato, los hermanos actuaron como si nada hubiera pasado. Lyle y Erik continuaron con sus vidas de lujo, derrochando el dinero de sus padres en coches deportivos, relojes caros y vacaciones extravagantes. Durante meses, engañaron a la policía y a la sociedad, quienes inicialmente creyeron en su versión de que los Menéndez habían sido víctimas de un violento robo. No fue hasta más de medio año después que sus mentiras comenzaron a desmoronarse, y una confesión hecha por Erik a su terapeuta finalmente llevó a su arresto.

El juicio del siglo: una guerra de narrativas

El juicio de los Menéndez, que comenzó en 1993, se convirtió en un espectáculo mediático. Las cámaras lo transmitieron en vivo, y millones de personas alrededor del mundo siguieron cada detalle con morbosa fascinación. Durante el proceso, los hermanos declararon que el asesinato había sido el resultado de años de abusos físicos, psicológicos y sexuales perpetrados por su padre, José. Según Lyle y Erik, la atmósfera en su hogar era de miedo constante, con su madre incapaz de protegerlos de la violencia de su padre.

Aquí es donde «Monstruos» brilla. Javier Bardem, en el papel de José Menéndez, no solo interpreta a un padre exigente y controlador, sino a un hombre cuyas ambiciones y frustraciones moldearon un hogar lleno de tensiones. Bardem, conocido por su habilidad para dar vida a personajes complejos, logra transmitir una mezcla de arrogancia y vulnerabilidad que hace que el espectador se cuestione quién era realmente José Menéndez. ¿Era un padre amoroso que solo quería lo mejor para sus hijos o un monstruo que los había sometido a años de abusos inenarrables?

Los testimonios desgarradores de los hermanos en el juicio, especialmente los de Erik, quien era apenas un adolescente cuando ocurrieron los hechos, dividieron a la opinión pública. Para algunos, Lyle y Erik eran víctimas que actuaron en defensa propia, tratando de escapar de una vida de abusos. Para otros, eran simplemente jóvenes mimados que querían liberarse de la influencia de sus padres para heredar su fortuna.

Las cicatrices emocionales: el corazón de «Monstruos»

Uno de los mayores logros de la serie es la capacidad de humanizar a los hermanos Menéndez sin justificar sus acciones. Lyle, interpretado por un emotivo actor que comparte pantalla con Bardem en escenas retrospectivas, muestra el daño psicológico acumulado a lo largo de los años. Erik, por su parte, carga con una culpa que lo consume, sumergiéndose en una espiral emocional que lo lleva a confesar el crimen. La serie, al explorar sus traumas, plantea preguntas inquietantes: ¿hasta qué punto el abuso familiar puede destruir a un ser humano? ¿Puede el miedo ser tan grande que empuje a alguien a cometer un acto tan atroz?

El juicio terminó con una sentencia de cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional para los hermanos. A lo largo de los años, su caso ha sido revisado y debatido, con defensores que continúan argumentando que los Menéndez deberían haber recibido un trato más justo, considerando el abuso que sufrieron. Sin embargo, la justicia fue contundente: el asesinato de sus padres, perpetrado con tal brutalidad, no podía quedar impune.

Monstruos en la pantalla, monstruos en la vida

«Monstruos: La historia de Lyle y Erik Menéndez» no es solo un relato de un crimen, sino un examen profundo sobre los efectos de la violencia familiar. A través de las poderosas actuaciones de su elenco, la serie recuerda que detrás de cada titular hay personas rotas, vidas fragmentadas y traumas que nunca sanan por completo. Javier Bardem ofrece una actuación magistral, encarnando a un hombre cuya fachada de éxito esconde un infierno doméstico. Su José Menéndez no es un villano unidimensional, sino un hombre cuyos defectos y abusos lo llevaron a la destrucción de su propia familia.

En última instancia, esta serie nos obliga a mirar más allá de los titulares sensacionalistas y nos invita a reflexionar sobre el precio de las expectativas familiares, el abuso y la búsqueda de justicia. ¿Quiénes son realmente los monstruos en esta historia? ¿Son los padres, por haber creado un hogar lleno de dolor y miedo? ¿O son los hijos, por haber elegido el camino de la violencia para liberarse?

«Monstruos» deja estas preguntas abiertas, recordándonos que, a veces, las respuestas no son tan claras como quisiéramos. Lo que sí queda claro es que, en esta tragedia familiar, no hay ganadores, solo almas perdidas y cicatrices que nunca sanarán.

Paco Encinar

Si hay una película que encapsula el caos colorido y desfachatado de los años 80, esa es Buscando a Susan desesperadamente. Este clásico de culto, que mezcla comedia romántica, algo de misterio y sobre todo mucha moda, no solo marcó una época sino que también lanzó a Madonna, la reina del pop, al estrellato en la gran pantalla. ¿La trama? Un lío genial lleno de identidades equivocadas, peinados imposibles y Nueva York como el patio de recreo más loco que puedas imaginar.

El caos ochentero hecho película

La película gira en torno a Roberta (Rosanna Arquette), una aburrida ama de casa que vive una existencia más plana que una tostada sin mantequilla. Un buen día, se obsesiona con los anuncios clasificados donde aparece el misterioso mensaje: “Buscando a Susan desesperadamente”. Susan, claro, es Madonna en todo su esplendor: una chica rebelde, siempre en líos y con un vestuario que parece sacado directamente de un videoclip de MTV. Roberta decide seguir a esta tal Susan, y sin comerlo ni beberlo, se ve envuelta en una confusión de identidades cuando la toman por la propia Susan. Y así empieza el festival de risas, persecuciones, amores y malentendidos.

Madonna, que en 1985 estaba en pleno ascenso de su carrera musical, no es la protagonista absoluta en términos de guion, pero no nos engañemos, roba la pantalla cada vez que aparece. Su look en esta película —la chaqueta con lentejuelas, las medias de rejilla y ese peinado de “me acabo de levantar pero estoy divina”— es probablemente uno de los más icónicos de la década. De hecho, si en Halloween de los 80 no veías a alguien disfrazado de la Susan de Madonna, algo iba mal.

Anécdotas del rodaje: Madonna siendo Madonna

El rodaje de Buscando a Susan desesperadamente está lleno de anécdotas tan estrafalarias como la propia película. Para empezar, cuando Madonna fue elegida para el papel, no era todavía la megaestrella que conocemos hoy. Al principio, la producción no estaba segura de si la cantante tenía lo necesario para actuar. Pero, tras su audición, y con ese carisma arrollador, nadie pudo negarse: Madonna era Susan, en todo su esplendor desordenado y caradura.

Una de las historias más divertidas ocurrió en una escena donde Madonna tenía que rodar en el mítico club nocturno Danceteria, uno de los lugares más icónicos de la vida nocturna neoyorquina en los 80. Danceteria era el sitio donde se encontraban artistas, músicos y todos los excéntricos de la ciudad, así que fue una decisión brillante rodar ahí. Lo gracioso es que Madonna, antes de convertirse en una superestrella, solía frecuentar ese mismo club para intentar convencer a los DJs de que pusieran sus primeras canciones. ¡Hablar de volver a tus raíces! Durante el rodaje, algunos empleados del club recordaban a Madonna como «esa chica pesada que no paraba de insistir». Pero esta vez no necesitó rogarle a nadie, Danceteria estaba a sus pies.

Otra anécdota curiosa es que Madonna llevó su propio vestuario para muchas de las escenas. Resulta que el presupuesto de la película no era tan grande como para costear los looks extravagantes y vanguardistas que ella solía lucir, así que decidió echar mano de su propio armario. La famosa chaqueta de lentejuelas negra con el ojo dorado en la espalda, que se convirtió en un icono de la moda de los 80, era una prenda que la propia Madonna había conseguido en una tienda vintage. Este estilo DIY terminó dándole a la película un toque aún más auténtico y terminó siendo imitado por miles de fans.

El lado salvaje de Nueva York

Filmada en un Nueva York vibrante y algo decadente, Buscando a Susan desesperadamente captura a la perfección la esencia de la ciudad en los años 80. Las calles están llenas de personajes extravagantes, arte callejero y clubs de música donde las luces neón y los sintetizadores son los reyes. Y, cómo no, Madonna encajaba como un guante en este ambiente. Es más, entre las escenas del rodaje, la cantante aprovechaba para escaparse a los clubes nocturnos de la Gran Manzana y seguir creando su imagen como la reina del pop.

El equipo también vivió lo suyo durante el rodaje en la Gran Manzana. En más de una ocasión, tuvieron que detenerse porque los fans de Madonna inundaban las locaciones. La cantante ya estaba en pleno auge con sus hits “Like a Virgin” y “Material Girl”, y la gente la seguía como si fuera la mismísima reina de Nueva York. Cuenta el director, Susan Seidelman, que hubo momentos en que simplemente no podían controlar a la multitud de curiosos que querían ver a su ídolo en acción. ¡Hasta tuvieron que cerrar calles para que la película pudiera seguir adelante!

Un final de película

Buscando a Susan desesperadamente no solo fue un éxito de taquilla, sino que se convirtió en una de esas películas que define a una generación. Aunque Rosanna Arquette recibió muchos elogios por su papel de la confundida Roberta, fue Madonna quien dejó la huella más profunda. La crítica se rindió ante su carisma, su estilo y su habilidad para robarse el show con cada movimiento.

En resumen, Buscando a Susan desesperadamente es una cápsula del tiempo de los 80, una mezcla de caos, moda y una historia que, aunque absurda, tiene un encanto irresistible. Y con Madonna en el centro de todo, luciendo como una diosa rebelde del pop, es imposible no pasarlo bien con este cóctel de risas, moda y aventuras.

Así que, si no la has visto, ya estás tardando en buscar a Susan… desesperadamente o no.

Si alguien te hubiera dicho hace unos años que Barbie, la muñeca más famosa del mundo, iba a tener su propia película, y que además sería un bombazo cinematográfico, es probable que te hubieras echado a reír. Pero en 2023, Greta Gerwig nos demostró que los sueños de plástico también tienen un lado profundo y cachondo con su película Barbie. La mezcla perfecta entre comedia, crítica social y un despliegue visual digno de una fiesta de cumpleaños en una casa de muñecas. Vamos, lo que nadie sabía que necesitaba.

Margot Robbie se calzó los tacones (bueno, los llevó flotando, porque en Barbie Land caminar con los talones en el aire es ley) y se convirtió en la Barbie perfecta: rubia, brillante, y con más seguridad en sí misma que un león en una fábrica de ratones. Y luego está Ryan Gosling, que dio vida a Ken como nunca lo habíamos imaginado. Su Ken es ridículamente guapo, pero también ridículamente inseguro, y su viaje para entender qué significa ser Ken es, simplemente, oro cómico. ¡Barbie es la estrella, pero Ken también quiere su momento al sol!

La trama es más loca que la fiesta de pijamas de una niña de 8 años después de una sobredosis de azúcar. Barbie, que vive en el mundo de Barbie Land, un lugar donde todo es perfecto y siempre rosa, empieza a tener «pensamientos extraños» (¡horror!). Cosas como pensar en la muerte o que sus pies ya no flotan. Con la ayuda de Ken, viajan al mundo real para descubrir qué demonios está pasando. Spoiler: el mundo real es bastante más complicado que Barbie Land.

Rodaje: El rosa se vuelve realidad

El rodaje de Barbie fue tan peculiar como la película misma. Uno de los detalles más comentados fue el agotador esfuerzo de Greta Gerwig por recrear el universo de Barbie Land con sets construidos a mano, incluyendo un tobogán que conectaba directamente con una piscina que parecía salida de una caja de juguetes. Pero lo que más llamó la atención fue la obsesión con el color rosa. ¡Tanto que, según se cuenta, agotaron las existencias de pintura rosa fosforescente a nivel mundial! La diseñadora de producción, Sarah Greenwood, admitió en entrevistas que fue toda una odisea lograr ese look “rosa perfecto”. Si creías que era fácil crear un mundo de Barbie, piénsalo de nuevo.

Las anécdotas del rodaje son tan divertidas como absurdas. Una de las mejores involucra a Ryan Gosling, quien decidió abrazar a su Ken interior y llevó a otro nivel la «Ken-ergeticidad» (como él mismo la llamó). Al parecer, durante los descansos entre tomas, se paseaba por el set con unos patines de ruedas fluorescentes, los mismos que usa en una escena memorable en la que Ken y Barbie patinan por la ciudad. Según el propio Gosling, ponerse en la piel de Ken le hizo replantearse muchas cosas, como por qué nunca había patinado con tanta confianza antes.

Otro momento épico fue cuando Margot Robbie casi se disloca un pie en una de las primeras tomas. En la famosa escena donde Barbie pisa el suelo con los talones en alto, como si fuera lo más natural del mundo, Margot tuvo que repetir la escena varias veces. Aunque no lo parezca, mantener esa postura de pie es algo que ni la más experta bailarina de ballet intentaría por mucho tiempo. Pero Margot, como una Barbie de carne y hueso, lo logró, y ese detalle visual pasó a ser uno de los gags más memorables de la película.

Más que una muñeca: el impacto inesperado

Barbie no solo es divertida y alocada, sino que también te da una bofetada de realidad cuando menos lo esperas. A través de su historia y los personajes, Gerwig toca temas como el feminismo, el patriarcado y la búsqueda de identidad de una manera que nadie veía venir. Barbie, la muñeca que lo tenía todo, se enfrenta al existencialismo. Y Ken, quien siempre fue «el accesorio de Barbie», también descubre que tal vez quiera ser algo más que «Ken» (aunque aún no sepa muy bien qué).

Pero más allá del mensaje, Barbie es un espectáculo visual y una comedia ligera, con momentos absurdos como la lucha entre los «Kens» que parecen sacados de un musical de los años 50 mezclado con una pelea de almohadas. Y sí, la música también es otro de los grandes aciertos, con canciones pegajosas que probablemente tararees durante días después de verla (¡I’m Just Ken es un himno!).

En resumen, Barbie es mucho más de lo que podrías esperar de una película sobre una muñeca. Es divertida, mordaz, visualmente deslumbrante y llena de anécdotas de rodaje que podrían llenar un libro entero. Así que, si aún no la has visto, ya estás tardando en sumergirte en este mundo de plástico rosa, donde, aunque parezca mentira, las muñecas tienen mucho que decir.

Y como diría la propia Barbie: «La vida en plástico, es fantástico… pero no siempre es tan sencillo.»

En 1980, un huracán de músculos, espadas y mitología irrumpió en las pantallas con Conan el Bárbaro, una película que no solo consolidó a Arnold Schwarzenegger como el héroe de acción por excelencia, sino que también nos regaló una aventura épica llena de brujería, bestias y mazmorras que marcaría una era.

Dirigida por John Milius y con un guion coescrito por el mismísimo Oliver Stone, Conan el Bárbaro nos adentra en el mundo oscuro y brutal de la era hiboria, donde los guerreros como Conan, con más bíceps que palabras, se abren camino a base de mandobles de espada. Basada en el personaje creado por Robert E. Howard en la década de 1930, la película nos cuenta la historia de venganza de un joven bárbaro cuya familia es asesinada por el malvado Thulsa Doom (interpretado por el legendario James Earl Jones). Con un guion lleno de silencios dramáticos, pocas líneas de diálogo y muchos rugidos de batalla, Conan se convierte en un personaje mítico que habla más con sus actos que con sus palabras.

El rodaje: una aventura salvaje

La producción de Conan no fue menos salvaje que la película misma. Filmada principalmente en España, en escenarios naturales que daban una sensación realista de desolación y barbarie, el rodaje estuvo plagado de anécdotas que van desde lo cómico hasta lo peligroso. Para empezar, Schwarzenegger, aún lejos de ser la estrella de Hollywood que conocemos hoy, tuvo que someterse a un entrenamiento brutal. Aunque ya era un culturista de fama mundial, aprender a manejar la espada y montar a caballo como un bárbaro no fue tarea fácil. De hecho, durante el rodaje, Arnold tuvo más de un susto con su caballo, que parecía empeñado en tirarlo al suelo en las escenas más complicadas. Pero, fiel a su personaje, el actor nunca se quejó, demostrando que Conan era tan duro en la pantalla como detrás de las cámaras.

Una de las anécdotas más curiosas del rodaje tiene que ver con la espada de Conan. El arma, de unos casi 10 kilos de peso, fue diseñada especialmente para la película y era tan real como peligrosa. Durante una de las escenas de combate, Schwarzenegger accidentalmente golpeó a uno de los extras con la espada, dejándolo inconsciente. El extra se recuperó, pero seguramente no olvidó esa lección de lo que pasa cuando te metes con Conan.

Pero si hablamos de peligros reales, no podemos olvidar el incidente con las serpientes. En la famosa escena en la que Conan pelea contra una gigantesca serpiente, lo que muchos no saben es que, además de la criatura mecánica, había varias serpientes reales en el set. Según se cuenta, en una ocasión, una de las serpientes escapó y causó un pánico momentáneo entre los actores y el equipo, que rápidamente aprendieron a respetar no solo a Conan, sino también a la fauna del rodaje.

El legado de una leyenda

Conan el Bárbaro no solo fue un éxito de taquilla, sino que definió el género de las películas de espada y brujería en los años 80. Con una banda sonora icónica, compuesta por Basil Poledouris, que evoca tambores de guerra y leyendas olvidadas, la película se convirtió en un fenómeno cultural. Aunque recibió críticas mixtas en su estreno, con el tiempo ha sido revalorizada como una obra de culto, especialmente por la actuación casi primitiva de Schwarzenegger, que encarnó al héroe bárbaro con una autenticidad física difícil de igualar.

La película lanzó la carrera de Arnold al estrellato, y aunque muchos lo asocian con personajes como Terminator, para los fans de los mundos de espada y fantasía, Conan siempre será su papel más emblemático. Porque, seamos sinceros, ¿quién no ha soñado alguna vez con blandir una espada gigante, desafiando a los dioses y aplastando a sus enemigos?

En definitiva, Conan el Bárbaro es más que una película, es una aventura salvaje que sigue capturando la imaginación de generaciones. Con un rodaje lleno de anécdotas tan épicas como su trama, Conan nos recuerda que a veces lo único que necesitamos es una espada, un objetivo claro y la voluntad de forjar nuestro propio destino. Como diría el propio bárbaro: «¡Aplastar a tus enemigos, verles destrozados y escuchar el lamento de sus mujeres!». Así es como se forjan las leyendas.